재즈 - Jazz - Wikipedia

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재즈 이다 음악 장르 그 기원은 아프리카 계 미국인 커뮤니티 뉴 올리언스, 루이지애나, 미국, 19 세기 말과 20 세기 초에 블루스래그 타임.[1][2][3] 1920 년대 이후 재즈 시대, 그것은 음악적 표현의 주요 형태로 인정되었습니다 전통적인유명한 음악, 아프리카 계 미국인과 유럽계 미국인 뮤지컬 혈통.[4] 재즈는 그네블루 노트, 복잡한 화음, 통화 및 응답 보컬, 폴리 리듬즉흥 연주. Jazz는 서 아프리카 문화 및 음악 표현, 및 아프리카 계 미국인 음악 전통.[5][6]

재즈가 전 세계로 퍼짐에 따라 국가, 지역 및 지역 음악 문화를 끌어 들여 다양한 스타일을 탄생 시켰습니다. 뉴 올리언스 재즈 1910 년대 초에 시작된 초기 브라스 밴드 행진 인 프랑스어 쿼드 릴, Biguine, 래그 타임 및 블루스 집단으로 다 성음 즉흥 연주. 1930 년대에는 무용을 중심으로 한 그네 빅 밴드, 캔자스 시티 재즈, 강한 스윙, 블루스, 즉흥적 인 스타일과 집시 재즈 (강조한 스타일 작은 잡낭 왈츠)는 눈에 띄는 스타일이었습니다. 비밥 1940 년대에 등장하여 댄스 가능한 대중 음악에서 더 빠른 템포로 연주되고 더 많은 코드 기반 즉흥 연주를 사용하는 더 도전적인 "음악가의 음악"으로 재즈를 전환했습니다. 쿨 재즈 1940 년대 말에 개발되어 차분하고 부드러운 사운드와 길고 선형적인 멜로디 라인을 도입했습니다.

1950 년대 중반에는 하드 밥, 영향을받은 리듬 앤 블루스, 복음, 블루스, 특히 색소폰과 피아노 연주에서. 모달 재즈 1950 년대 후반에 개발 된 방법, 또는 음악적 규모, 음악 구조 및 즉흥 연주의 기초 무료 재즈, 일반 미터, 비트 및 형식적인 구조없이 연주를 탐색했습니다. 재즈 록 퓨전 1960 년대 말과 1970 년대 초에 재즈 즉흥 연주와 록 음악의 리듬, 일렉트릭 악기 및 고도로 증폭 된 무대 사운드. 1980 년대 초, 상업적인 형태의 재즈 퓨전은 부드러운 재즈 성공하여 상당한 라디오 방송을 얻었습니다. 2000 년대에는 다음과 같은 다른 스타일과 장르가 풍부합니다. 라틴어아프리카 쿠바 재즈.

어원과 정의

미국 재즈 작곡가, 작사가, 피아니스트 유비 블레이크 장르의 어원에 초기에 기여했습니다.

단어의 기원 재즈 상당한 연구 결과를 얻었으며 그 역사는 잘 문서화되어 있습니다. 관련이 있다고 믿어집니다 Jasm, "pep, energy"를 의미하는 1860 년으로 거슬러 올라가는 속어.[7] 단어의 가장 초기 기록은 1912 년 기사에 있습니다. 로스 앤젤레스 타임즈 마이너 리그 야구 투수가 "재즈 볼"이라고 부르는 피치를 묘사 한 것입니다. "그것이 흔들리고 당신은 그것으로 아무것도 할 수 없기 때문입니다."[7]

음악적 맥락에서이 단어의 사용은 빠르면 1915 년에 Chicago Daily Tribune.[8] 뉴 올리언스의 음악적 맥락에서 처음으로 기록 된 사용은 1916 년 11 월 14 일이었습니다. Times-Picayune "jas 밴드"에 대한 기사.[9] 인터뷰에서 국립 공영 라디오, 음악가 유비 블레이크 "브로드 웨이가 그것을 집어 들었을 때 그들은 그것을 'JAZ-Z'라고 불렀다. 그것은 부르지 않았다. 철자가 'JAS-S'였다. 그것은 더럽고, 더럽다."라고 그 용어의 속어 의미를 회상했다. 그게 뭔지 안다면 숙녀분들 앞에서 말하지 않았을 겁니다. "[10] 미국 방언 협회는 그것을 20 세기의 말씀.[11]

Albert Gleizes, 1915, "재즈"작곡 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕

재즈는 100 년 이상의 기간에 걸친 광범위한 음악을 포함하기 때문에 정의하기 어렵습니다. 래그 타임 ~로 -주입 퓨전. 유럽 ​​음악사 또는 아프리카 음악과 같은 다른 음악 전통의 관점에서 재즈를 정의하려는 시도가있었습니다. 하지만 비평가 요아킴-에른스트 베렌트 참조 조건과 정의가 더 넓어야한다고 주장합니다.[12] 재즈를 "형식"으로 정의 예술 음악 흑인과 유럽 음악의 대결을 통해 미국에서 시작되었습니다. "[13] 재즈는 "스윙으로 정의 된 시간과 특별한 관계가 있다는 점에서 유럽 음악과 다르다"고 주장합니다.'". 재즈는"즉흥 연주가 역할을하는 음악 제작의 자발성과 활력 "을 포함하며"공연 재즈 뮤지션의 개성을 반영하는 어조와 표현 방식 "을 포함합니다.[12] 의 의견 로버트 크리스 가우, "우리 대부분은 느슨하게하면서 의미를 발명하는 것이 재즈의 본질이자 약속이라고 말할 것입니다."[14]

Travis Jackson은 다양한 재즈 시대를 아우르는 더 넓은 정의를 제안했습니다. "스윙, 즉흥 연주, 그룹 상호 작용, '개별적인 목소리'개발, 다양한 음악적 가능성에 열려있는 것과 같은 특성을 포함하는 음악입니다."[15] Krin Gibbard는 "재즈는 일관된 전통의 일부로 이해 될만큼 공통점이있는 많은 음악"을 지정하는 구성이라고 주장했다.[16] 재즈 유형을 배제한다고 주장하는 해설자 들과는 달리, 뮤지션들은 때때로 자신이 연주하는 음악을 정의하기를 꺼립니다. 듀크 엘링턴재즈의 가장 유명한 인물 중 한 명은 "모두 음악이다"라고 말했다.[17]

요소 및 문제

즉흥

재즈는 정의하기 어려운 것으로 간주되지만 부분적으로 많은 하위 장르가 포함되어 있기 때문에 즉흥 연주 정의 요소 중 하나입니다. 즉흥 연주의 중심성은 다음과 같은 초기 음악 형식의 영향에 기인합니다. 블루스, 한 형태의 민속 음악은 작업 노래필드 홀러 농장에서 아프리카 계 미국인 노예의. 이 작업 노래는 일반적으로 반복적 인 전화 및 응답 패턴이지만 초기 블루스는 즉흥적이었습니다. 고전 음악 성능은 악보, 해석, 장식 및 반주에 덜주의를 기울입니다. 클래식 연주자의 목표는 작곡 된대로 연주하는 것입니다. 대조적으로, 재즈는 종종 상호 작용과 협업의 산물로 특징 지어지며, 작곡가의 기여도에는 가치가 적고 연주자에게는 더 많은 가치를 부여합니다.[18] 재즈 연주자는 같은 곡을 두 번 연주하지 않고 개별적인 방식으로 곡을 해석합니다. 연주자의 분위기, 경험 및 밴드 멤버 또는 청중과의 상호 작용에 따라 연주자는 멜로디, 하모니 및 박자를 변경할 수 있습니다.[19]

일찍 딕시 랜드, 일명 뉴 올리언스 재즈, 공연자들이 교대로 멜로디를 연주하고 즉흥 연주를했습니다. 카운터 멜로디. 에서 그네 1920 ~ 40 년대의 시대, 빅 밴드 에 더 의존 준비 귀로 쓰거나 배우고 암기했습니다. 솔로이스트는 이러한 배치 내에서 즉흥 연주했습니다. 에서 비밥 1940 년대에는 빅 밴드가 소그룹과 최소한의 편곡으로 자리를 옮겼는데, 초기에는 멜로디가 간략하게 언급되고 대부분의 곡이 즉석에서 연주되었습니다. 모달 재즈 버려진 코드 진행 뮤지션이 더 많은 즉흥 연주를 할 수 있도록합니다. 여러 형태의 재즈에서 솔로이스트는 리듬 섹션 하나 이상의 화음 악기 (피아노, 기타), 더블베이스 및 드럼. 리듬 섹션은 작곡 구조를 설명하고 독주자를 보완하는 코드와 리듬을 연주합니다.[20]아방가르드무료 재즈, 솔로이스트와 밴드의 분리가 줄어들고 코드, 스케일 및 미터를 포기하는 데 필요한 라이센스 또는 요구 사항이 있습니다.

전통과 인종

비밥의 등장 이후 상업적 지향적이거나 대중 음악의 영향을받는 재즈 형태가 비판을 받고 있습니다. Bruce Johnson에 따르면 항상 "상업 음악으로서의 재즈와 예술 형식 사이의 긴장감"이있었습니다.[15] 전통적인 재즈 애호가들은 비밥, 프리 재즈, 재즈 퓨전을 타락과 배신의 형태로 일축했습니다. 또 다른 관점은 재즈가 다양한 음악 스타일을 흡수하고 변형시킬 수 있다는 것입니다.[21] 규범의 생성을 피함으로써 재즈는 아방가르드 스타일이 나타날 수 있습니다.[15]

일부 아프리카 계 미국인에게 재즈는 문화와 역사에 대한 아프리카 계 미국인의 공헌에 주목했습니다. 다른 사람들에게 재즈는 "억압적이고 인종 차별적 인 사회와 예술적 비전에 대한 제한"을 상기시킵니다.[22] 아미리 바라카 표현하는 "화이트 재즈"장르가 있다고 주장합니다. .[23] 화이트 재즈 뮤지션은 미국 중서부와 다른 지역에서 나타났습니다. 파파 잭 레인1910 년대 뉴 올리언스에서 릴 라이언스 밴드를 운영 한은 "화이트 재즈의 아버지"로 불렸다.[24] 그만큼 오리지널 딕시 랜드 재즈 밴드멤버가 백인이었던은 최초의 재즈 그룹이었고, 빅스 베이더 베케 1920 년대에 가장 유명한 재즈 솔리스트 중 한 명이었습니다.[25] 시카고 스타일은 다음과 같은 백인 음악가에 의해 개발되었습니다. 에디 콘돈, 버드 프리먼, 지미 맥파 트랜드, 및 데이브 터프. 같은 시카고에서 다른 사람 베니 굿맨진 크루 파 1930 년대에 스윙의 주요 멤버가되었습니다.[26] 많은 밴드에는 흑인과 백인 뮤지션이 모두 포함되었습니다. 이 음악가들은 미국에서 인종에 대한 태도를 바꾸는 데 도움이되었습니다.[27]

여성의 역할

여성 재즈 연주자와 작곡가는 역사를 통틀어 재즈에 기여해 왔습니다. 이기는 하지만 베티 카터, 엘라 피츠 제럴드, 애들레이드 홀, 빌리 홀리데이, 애비 링컨, 아니타 오데이, 디나 워싱턴, 및 에델 워터스 보컬 재능으로 인정 받았지만 밴드 리더, 작곡가, 피아니스트와 같은 악기 연주자 릴 하딘 암스트롱, 트럼펫 발라이다 스노우, 작곡가 아이린 히긴 보텀도로시 필드. 여성들은 1920 년대 초반에 재즈에서 악기를 연주하기 시작하여 특히 피아노에서 인정을 받았습니다.[28]

제 2 차 세계 대전 중 남성 재즈 뮤지션이 드래프트되었을 때 모든 여성 밴드 그들을 대체했습니다.[28] 리듬의 국제적인 연인1937 년에 설립 된은 미국 최초의 여성 통합 밴드가되었으며 USO, 1945 년 유럽 여행. 여성은 우디 허먼제럴드 윌슨. 1950 년대부터 많은 여성 재즈 악기 연주가가 유명했으며 일부는 오랜 경력을 유지했습니다. 재즈에서 가장 독특한 즉흥 연주자, 작곡가, 밴드 리더 중 일부는 여성이었습니다.[29] 트롬본 연주자 Melba Liston 메이저 밴드에서 일하고 재즈에 진정한 영향을 미친 최초의 여성 혼 연주자로 인정 받았으며, 특히 음악가로서뿐만 아니라 존경받는 작곡가이자 편곡가로서 특히 그녀와의 협업을 통해 랜디 웨스턴 1950 년대 후반부터 1990 년대까지.[30][31]

기원과 초기 역사

재즈는 19 세기 후반부터 20 세기 초까지 아프리카 및 노예 민요와 서 아프리카 문화의 영향을 결합한 미국 및 유럽 클래식 음악의 해석으로 시작되었습니다.[32] 그 구성과 스타일은 각 연주자의 개인적인 해석과 즉흥 연주로 수년에 걸쳐 여러 번 변경되었으며, 이는 장르의 가장 큰 매력 중 하나이기도합니다.[33]

혼합 된 아프리카와 유럽 음악 감성

1700 년대 후반 콩고 광장에서 춤을 추다. E. W. Kemble 한 세기 후
18 세기 후반의 회화 오래된 농장, 아프리카 계 미국인들은 밴조와 타악기에 맞춰 춤을 춥니 다.

18 세기에 이르러 뉴 올리언스 지역의 노예들은 나중에 아프리카 춤으로 유명한 콩고 광장으로 알려지게 된 지역의 특별 시장에 사회적으로 모였습니다.[34]

1866 년까지 대서양 노예 무역 거의 400,000 명의 아프리카 인을 북미로 데려 왔습니다.[35] 노예들은 주로 서 아프리카 그리고 더 큰 콩고 강 분지와 함께 강한 음악적 전통을 가져 왔습니다.[36] 아프리카 전통은 주로 한 줄의 멜로디를 사용하고 전화 및 응답 패턴, 리듬은 카운터 메트릭 아프리카의 음성 패턴을 구성하고 반영합니다.[37]

1885 년의 한 기록에 따르면 그들은 빨래판, 세면기, 주전자, 막대기 나 뼈로 두드린 상자, 밀가루 통 위에 피부를 펴서 만든 드럼 등 똑같이 이상한 다양한 '악기'로 이상한 음악 (크리올)을 만들고 있다고합니다.[3][38]

아프리카에서 드럼에 맞춰 춤을 추는 화려한 축제가 콩고 광장에서 일요일에 조직되었습니다. 콩고 광장, 1843 년까지 뉴 올리언스에서.[39] 미국 남부의 다른 지역에는 다른 음악과 무용 모임에 대한 역사적 기록이 있습니다. 로버트 팔머 타악기 노예 음악에 대해 다음과 같이 말했습니다.

일반적으로 그러한 음악은 해의 작물을 수확하고 축하를 위해 며칠을 할애하는 연례 축제와 관련이 있습니다. 1861 년 말, 노스 캐롤라이나의 한 여행자는 뿔이 달린 머리 장식과 소꼬리가 포함 된 의상을 입은 무용가를 보았고 양가죽으로 덮인 "검보 상자", 분명히 프레임 드럼이 제공하는 음악을 들었습니다. 삼각형과 턱뼈가 보조 타악기를 제공했습니다. 남동부 주와 루이지애나 주에서 1820 년에서 1850 년까지의 기간에 대한 [기록]이 꽤 많습니다. 가장 초기의 [미시시피] 델타 정착민 중 일부는 뉴 올리언스 인근에서 왔는데, 이곳에서 드럼 연주는 오랫동안 적극적으로 낙담하지 않았고, 남북 전쟁이 발발 할 때까지 수제 드럼이 대중 춤과 함께 사용되었습니다.[40]

또 다른 영향은 찬송가 흑인 노예들이 자신의 음악에 영적.[41] 그만큼 블루스의 기원 그들은 영적인 사람들의 세속적 인 대응 물로 볼 수 있지만 문서화되지 않았습니다. 그러나 게르하르트 쿠빅 지적하지만 영적인 사람들은 동음이의, 시골의 블루스와 초기 재즈는 "대부분 이음 성."[42]

블랙 페이스 Virginia Minstrels 1843 년 탬버린, 바이올린, 밴조,

19 세기 초에 점점 더 많은 흑인 음악가들이 유럽 악기, 특히 바이올린을 연주하는 법을 배웠습니다. 스텝 경기 춤. 차례로, 유럽계 미국인 민 스트 렐 쇼 공연자 블랙 페이스 음악을 국제적으로 대중화하여 당김음 유럽 ​​고조파 반주로. 1800 년대 중반 백인 뉴 올리언스 작곡가 루이 모로 고트 샬크 쿠바와 다른 카리브해 섬의 노예 리듬과 멜로디를 피아노 살롱 음악에 적용했습니다. 뉴 올리언스는 아프리카 계 카리브해 문화와 아프리카 계 미국인 문화의 주요 연결 고리였습니다.

아프리카 리듬 유지

그만큼 블랙 코드 노예에 의한 불법 드럼 연주는 쿠바, 아이티 및 카리브해의 다른 지역과 달리 북미에서 아프리카 드럼 연주 전통이 보존되지 않았 음을 의미합니다. 아프리카 기반의 리드미컬 한 패턴은 밟기, 박수, 박수 등과 같은 "신체 리듬"을 통해 미국에서 대부분 유지되었습니다. 춤추는 주바.[43]

재즈 역사가의 의견 어니스트 보른 만, 1890 년 이전에 뉴 올리언스 재즈 이전에 있었던 것은 당시 카리브해에서 연주되었던 것과 유사한 "아프로 라틴 음악"이었습니다.[44] 쿠바 음악에서 다음과 같이 알려진 3 획 패턴 Tresillo 카리브해의 여러 다른 노예 음악에서들을 수있는 기본적인 리듬 인물이며 아프리카 카리브해 뉴 올리언스에서 공연 된 민속 무용 콩고 광장 및 Gottschalk의 작곡 (예 : "Souvenirs From Havana"(1859)). Tresillo (아래 그림 참조)는 가장 기본적이고 가장 널리 퍼진 이중 펄스 리듬입니다. 세포사하라 사막 이남의 아프리카 음악 전통 그리고의 음악 아프리카 디아스포라.[45][46]

악보가 일시적으로 비활성화됩니다.

Tresillo 뉴 올리언스에서 두드러지게 들립니다. 두 번째 줄 20 세기 초부터 현재까지 그 도시에서 온 음악과 다른 형태의 대중 음악.[47] "대체로 더 단순한 아프리카 리듬 패턴은 재즈에서 살아 남았습니다. 유럽의 리듬 개념에 더 쉽게 적응할 수 있었기 때문입니다."재즈 역사가 군터 슐러 관찰. "일부는 살아 남았고 나머지는 유럽 화가 진행됨에 따라 버려졌습니다."[48]

남북 전쟁 이후 (1865 년 이후) 아프리카 계 미국인들은 잉여 군사용베이스 드럼, 스네어 드럼 및 파이프를 얻을 수 있었고, 트레 실로와 관련된 싱 코핑 된 리드미컬 한 인물을 특징으로하는 오리지널 아프리카 계 미국인 드럼 및 파이프 음악이 등장했습니다.[49] 이것은 카리브해와는 다른 드럼 연주 전통이었으며 독특한 아프리카 계 미국인 감성을 표현했습니다. "스네어와베이스 드러머는 크로스 리듬, "작가 로버트 팔머는"이 전통은 19 세기 후반으로 거슬러 올라 가야하는데,이 전통은 다 리듬 적 정교함의 저수지가 없었다면 처음부터 발전하지 못했을 것입니다. 배양 한 문화. "[43]

아프리카 쿠바의 영향

아프리카 계 미국인 음악 통합 시작 아프리카 쿠바 19 세기의 리드미컬 한 모티프는 하바네라 (쿠바 사람 콘트라 단자) 국제적인 인기를 얻었습니다.[50] 뮤지션 아바나 그리고 New Orleans는 공연을 위해 두 도시 사이를 매일 두 번 페리를 타게되었고, 하바네라는 음악적으로 비옥 한 Crescent City에 빠르게 뿌리를 내 렸습니다. 존 스톰 로버츠 음악 장르 인 하바네라가 "첫 걸레가 출판되기 20 년 전에 미국에 도달했다"고 밝혔다.[51] 25 년 이상 동안 스텝 경기, 래그 타임, 프로토 재즈가 형성되고 발전하면서 하바네라는 아프리카 계 미국인 대중 음악의 일관된 부분이었습니다.[51]

Habaneras는 악보로 널리 사용되었으며 아프리카 모티프 (1803)를 기반으로 리드미컬하게 작곡 된 최초의 음악이었습니다.[52] 아프리카 계 미국인 음악의 관점에서 "하바네라 리듬"( "콩고"라고도 함),[52] "탱고-콩고",[53] 또는 탱고.[54] 조합으로 생각할 수 있습니다 Tresillo 그리고 백 비트.[55] 하바네라는 미국에서 인기를 누렸고 아프리카 계 미국인 음악에서 트레 실로 기반 리듬의 사용을 강화하고 영감을 준 많은 쿠바 음악 장르 중 첫 번째 장르였습니다.

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뉴 올리언스 출신 루이 모로 고트 샬크의 피아노 곡 "Ojos Criollos (Danse Cubaine)"(1860)는 쿠바에서 작곡가의 연구에 영향을 받았습니다. 왼손에서는 하바네라 리듬이 명확하게 들립니다.[45]:125 Gottschalk의 교향곡 "A Night in the Tropics"(1859)에서 트레 실로 변형 Cinquillo 광범위하게 나타납니다.[56] 이 그림은 나중에 Scott Joplin과 다른 래그 타임 작곡가가 사용했습니다.

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뉴 올리언스의 음악과 쿠바의 음악을 비교하면 윈턴 마살리스 그것을 관찰 Tresillo 뉴 올리언스 "clavé"는 퍼즐이나 미스터리의 열쇠 에서처럼 "코드"또는 "열쇠"를 의미하는 스페인어 단어입니다.[57] 패턴은 절반에 불과하지만 클레이브, Marsalis는 단세포 숫자가 가이드 패턴 뉴 올리언스 음악. 젤리 롤 모튼 리드미컬 한 인물이라고 스페인 색조 재즈의 필수 요소라고 생각했습니다.[58]

래그 타임

폐지 노예 제도 1865 년에 해방 된 아프리카 계 미국인의 교육을위한 새로운 기회가 생겼습니다. 엄격한 분리는 대부분의 흑인의 고용 기회를 제한했지만 많은 사람들이 오락에서 일자리를 찾을 수있었습니다. 흑인 음악가들은 춤에서 오락을 제공 할 수 있었고 민 스트 렐 쇼, 및 보드빌, 그 동안 많은 행진 밴드가 형성되었습니다. 흑인 피아니스트는 술집, 클럽, 매춘 업소에서 연주했습니다. 래그 타임 개발.[59][60]

Ragtime은 연예인과 같은 아프리카 계 미국인 음악가들에게 대중화 된 악보로 등장했습니다. 어니스트 호건, 그의 히트 곡은 1895 년에 등장했습니다. 2 년 후, 베스 오스만 이 노래의 메들리를 밴조 "Rag Time Medley"로 알려진 솔로.[61][62] 또한 1897 년 백인 작곡가는 윌리엄 크렐 그의 "미시시피 래그"최초의 피아노 기악 래그 타임 작품으로, 톰 터핀 아프리카 계 미국인이 출판 한 최초의 걸레 인 "Harlem Rag"를 출판했습니다.

고전적으로 훈련 된 피아니스트 스콧 조플린 그의 "오리지널 걸레"1898 년, 1899 년"메이플 리프 걸레", 다중변형 래그 타임 행진 반복되는 테마와 풍부한베이스 라인을 특징으로하는 네 부분으로 일곱 번째 화음. 그 구조는 다른 많은 넝마의 기초가되었고 실신 오른손, 특히 첫 번째와 두 번째 변형 사이의 전환에서 그 당시에는 참신했습니다.[63] Scott Joplin의 "Maple Leaf Rag"(1899)의 마지막 네 가지 측정 값은 다음과 같습니다.

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다음과 같은 아프리카 기반의 리듬 패턴 Tresillo 및 그 변형, 하바네라 리듬 및 Cinquillo, Joplin과 Turpin의 래그 타임 작곡에서 들립니다. Joplin의 "Solace"(1909)는 일반적으로 하바네라 장르로 간주됩니다.[64][65] 피아니스트의 두 손은 실신 된 방식으로 연주하며 모든 감각을 완전히 포기합니다. 행진 율. 네드 서브렛 트레 실로 / 하바네라 리듬이 "래그 타임과 케익 워크에 들어갔다"고 가정합니다.[66] 로버츠는 "하바네라의 영향은 래그 타임의 유럽베이스에서 흑인 음악을 해방시킨 것의 일부 였을지도 모른다"고 제안했다.[67]

블루스

아프리카 기원

악보가 일시적으로 비활성화됩니다.
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육각형 블루스 스케일 C에서 오름차순

블루스는 음악 형식과 음악 장르 모두에 주어진 이름입니다.[68] 유래 아프리카 계 미국인 주로의 커뮤니티 딥 사우스 19 세기 말에 미국의 영적, 작업 노래, 필드 홀러, 외침성가 운율 간단한 내러티브 발라드.[69]

아프리카의 5 음계 사용은 다음과 같은 발전에 기여했습니다. 블루 노트 블루스와 재즈에서.[70] Kubik은 다음과 같이 설명합니다.

딥 사우스 (Deep South)의 전원적인 블루스의 대부분은 문체 적으로 수단 서부 벨트에서 기본적으로 두 개의 광범위한 노래 스타일 전통의 확장 및 합병 :

  • 강렬한 아랍 / 이슬람 노래 스타일. 하우사. 멜리스마, 물결 모양의 억양, 5 음 프레임 워크 내의 피치 불안정성, 그리고 외침적인 목소리가 특징입니다.
  • 오음 곡 작곡의 고대 서부 중부 수단 지층으로, 종종 일반 미터의 단순한 작업 리듬과 관련이 있지만 주목할만한 오프 비트 악센트가 있습니다 (1999 : 94).[71]

W.C. Handy : 초기 출판 된 블루스

W.C. 핸디 1892 년 19 일

W.C. 핸디 미시시피 삼각주를 여행하는 동안 딥 사우스의 포크 블루스에 관심을 갖게되었습니다. 이 포크 블루스 형식에서 가수는 제한된 멜로디 범위 내에서 자유롭게 즉흥 연주를했고, 필드 홀러처럼 들렸고, 기타 반주는 다른 "목소리"역할을하는 당김 된 악센트로 반응하는 작은 드럼처럼 두드리기보다는 두드려졌습니다.[72] Handy와 그의 밴드 멤버들은 블루스와 함께 성장하지 않은 공식적으로 훈련 된 아프리카 계 미국인 뮤지션 이었지만, 그는 블루스를 더 큰 밴드 악기 형식에 맞게 조정하고 대중 음악 형식으로 편곡 할 수있었습니다.

Handy는 자신의 블루스 채택에 대해 다음과 같이 썼습니다.

그가 노래 한 원시 남부 흑인은 음계의 세 번째와 일곱 번째 음조를 확실히 견디며 장조와 단조 사이에 불투명 해졌습니다. 델타의 면화 밭이든 세인트루이스 길의 제방이든 항상 같았습니다. 그러나 그때까지 나는 더 정교한 흑인이나 백인이 사용하는이 비방을 들어 본 적이 없었다. 나는이 효과를 전달하려고 노력했다 .... 플랫 3 분의 1과 7 분의 1 (현재는 파란색 음표라고 함)을 내 노래에 도입함으로써, 그것의 우세한 키가 장조 였지만 ...,이 장치를 내 멜로디에도 포함 시켰습니다.[73]

그의 출판 "멤피스 블루스"1912 년 악보가 12 바 블루스를 세상에 소개했습니다 (Gunther Schuller는 이것이 실제로 블루스가 아니라"케이크 워크에 가깝다 "라고 주장하지만)[74]). 이 작곡과 그의 후기 "세인트루이스 블루스"기타 하바네라 리듬을 포함하여[75] 그리고 될 것입니다 재즈 표준. Handy의 음악 경력은 프리 재즈 시대에 시작되었으며 최초의 재즈 악보 일부를 출판하여 재즈의 코드화에 기여했습니다.

뉴 올리언스

볼든 밴드 1905 년경

뉴 올리언스의 음악은 초기 재즈 창작에 큰 영향을 미쳤습니다. 뉴 올리언스에서 노예들은 부두교 나 드럼 연주와 같은 문화 요소를 연습 할 수있었습니다.[76] 많은 초기 재즈 음악가들이 Basin Street 주변의 홍등가의 술집과 매춘 업소에서 연주했습니다. Storyville.[77] 댄스 밴드 외에도 호화로운 장례식에서 연주하는 행진 밴드가있었습니다. 재즈 장례식). 마칭 밴드와 댄스 밴드가 사용하는 악기는 재즈의 악기가되었습니다. 금 관악기, 드럼, 리드는 유럽의 12 음계로 조율되었습니다. 소규모 밴드에는 장례식 행렬 전통에서 온 독학 및 정식 교육을받은 음악가들이 함께 참여했습니다. 이 밴드는 깊은 남쪽의 흑인 공동체를 여행했습니다. 1914 년부터 크리올 사람 아프리카 계 미국인 음악가들은 보드빌 미국 북부 및 서부의 도시에 재즈를 전달한 쇼[78]

뉴 올리언스의 백인 밴드 리더는 파파 잭 레인 그의 마칭 밴드에 흑인과 백인을 통합했습니다. 그는 그가 고용 한 많은 최고 선수들 때문에 "화이트 재즈의 아버지"로 알려졌다. 조지 브루 니스, 샤키 보 나노및의 미래 회원 오리지널 Dixieland Jass 밴드. 1900 년대 초반 재즈는 대부분 아프리카 계 미국인과 혼탁 분리법으로 인해 커뮤니티. 스토리 빌은 항구 도시 뉴 올리언스를 방문한 관광객을 통해 더 많은 청중에게 재즈를 가져 왔습니다.[79] 흑인 커뮤니티의 많은 재즈 뮤지션들이 술집과 매춘 업소에서 공연하도록 고용되었습니다. 여기에는 버디 볼든젤리 롤 모튼 다른 커뮤니티의 커뮤니티에 추가하여 로렌조 티오알 시드 누네즈. 루이 암스트롱 Storyville에서 경력을 시작했습니다.[80] 시카고에서 성공했습니다. 스토리 빌은 1917 년 미국 정부에 의해 폐쇄되었습니다.[81]

당김음

젤리 롤 모튼, 캘리포니아 주 로스 앤젤레스, c. 1917 년 또는 1918 년

Cornetist Buddy Bolden은 1895 년부터 1906 년까지 뉴 올리언스에서 연주했습니다. 그의 녹음은 존재하지 않습니다. 그의 밴드는 빅 4, 즉 표준 박자 행진에서 벗어난 최초의 실신베이스 드럼 패턴을 만든 것으로 인정 받고 있습니다.[82] 아래의 예에서 볼 수 있듯이 큰 4 패턴의 후반부는 하바네라 리듬입니다.

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Afro-Creole 피아니스트 Jelly Roll Morton은 Storyville에서 경력을 시작했습니다. 1904 년부터 그는 보드빌 쇼와 함께 남부 도시, 시카고, 뉴욕을 순회했습니다. 1905 년 그는 "젤리 롤 블루스", 1915 년에 출판되었을 때 인쇄 된 최초의 재즈 편곡이되었습니다.에서 뉴 올리언스 스타일에 더 많은 음악가를 소개했습니다.[83]

Morton은 tresillo / habanera를 고려했습니다. 스페인 색조, 재즈의 필수 성분.[84] "이제 내 초기 곡 중 하나 인"New Orleans Blues "에서 스페인의 기운을 느낄 수 있습니다. 실제로 여러분의 곡에 스페인어의 기운을 넣을 수 없다면 올바른 조미료를 얻을 수 없을 것입니다. , 나는 그것을 재즈라고 부른다. "[58]

"New Orleans Blues"의 일부는 아래와 같습니다. 발췌 부분에서 왼손은 트레 실로 리듬을, 오른손은 신 키요를 변주합니다.

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Morton은 래그 타임으로 알려진 초기 재즈 형식에서 재즈 피아노, 그리고 어느 스타일로든 작품을 연주 할 수 있습니다. 1938 년에 Morton은 의회 도서관을 위해 두 스타일의 차이를 보여주는 일련의 녹음을했습니다. 그러나 Morton의 솔로는 여전히 래그 타임에 가까웠으며 나중에 재즈에서와 같이 코드 변경에 대한 즉흥 연주 일뿐만 아니라 그의 블루스 사용도 똑같이 중요했습니다.

20 세기 초의 스윙

악보가 일시적으로 비활성화됩니다.
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Morton은 래그 타임의 경직된 리드미컬 한 느낌을 풀고 장식을 줄이고 그네 감각.[85] 스윙은 재즈에서 사용되는 가장 중요하고 지속적인 아프리카 기반의 리듬 기법입니다. Louis Armstrong이 자주 인용하는 스윙의 정의는 "당신이 그것을 느끼지 못한다면 결코 알 수 없을 것"입니다.[86] 뉴 하버드 음악 사전 스윙은 "재즈의 무형의 리드미컬 한 모멘텀 ... 스윙은 분석을 거스르는 것입니다. 그 존재에 대한 주장은 논쟁을 불러 일으킬 수 있습니다." 그럼에도 불구하고 사전은 이중 세분화와 대조되는 비트의 삼중 세분화에 대한 유용한 설명을 제공합니다.[87] 스윙은 기본 펄스 구조 또는 4 개의 하위 분할 위에 비트의 6 개 세분을 중첩합니다. 스윙의 이러한 측면은 아프리카 계 카리브해 음악보다 아프리카 계 미국인 음악에서 훨씬 더 널리 퍼져 있습니다. 더 리드미컬하게 복잡한 디아스포라 음악에서들을 수있는 스윙의 한 측면은 트리플과 듀플 펄스 "그리드"사이에 스트로크를 배치합니다.[88]

뉴 올리언스 브라스 밴드는 흑인 어린이들이 빈곤에서 벗어날 수 있도록 돕는 동시에 도시의 독특한 소리로 전문 재즈의 세계에 호른 연주자들에게 기여하는 지속적인 영향을 미칩니다. 뉴 올리언스의 리더 카멜리아 브라스 밴드, D' Jalma Ganier는 Louis Armstrong에게 트럼펫 연주를 가르쳤습니다. 그런 다음 암스트롱은 뉴 올리언스 스타일의 트럼펫 연주를 대중화하고 확장했습니다. Jelly Roll Morton과 마찬가지로 Armstrong은 스윙 노트에 찬성하여 래그 타임의 강성을 포기한 것으로 알려져 있습니다. 암스트롱은 아마도 다른 어떤 뮤지션보다 더 많은 재즈 스윙의 리드미컬 한 기술을 성문화하고 재즈 솔로 어휘를 넓혔습니다.[89]

그만큼 오리지널 Dixieland Jass 밴드 1917 년 초에 음악의 첫 녹음을했고리 버리 스 테이블 블루스"는 최초의 재즈 레코드가되었습니다.[90][91][92][93][94][95][96] 그해에 다른 많은 밴드가 타이틀이나 밴드 이름에 "재즈"를 포함하는 녹음을했지만 대부분은 재즈보다는 래그 타임 또는 참신한 레코드였습니다. 1918 년 2 월 제 1 차 세계 대전 중 제임스리스 유럽의 "헬 파이터"보병 밴드는 래그 타임을 유럽으로 가져 갔고[97][98] 그런 다음 반환에 기록 된 Dixieland 표준에는 "Darktown Strutters의 공".[99]

기타 지역

미국 북동부에서는 래그 타임을하는 "뜨거운"스타일이 발전했습니다. 제임스리스 유럽의 교향곡 클레프 클럽 뉴욕시의 오케스트라는 카네기 홀 1912 년.[99][100] 볼티모어 래그 스타일 유비 블레이크 영향을받은 제임스 P. 존슨의 개발 보폭 피아노 오른손은 멜로디를 연주하고 왼손은 리듬과베이스 라인을 제공합니다.[101]

오하이오와 중서부의 다른 지역에서 주된 영향은 1919 년까지 래그 타임이었습니다. 1912 년경 4 현 밴조와 색소폰이 등장했을 때 음악가들은 멜로디 라인을 즉흥 연주하기 시작했지만 하모니와 리듬은 변하지 않았습니다. 현대 기록에 따르면 블루스는 일반적으로 블랙 중산층이 무시한 거트 버킷 카바레의 재즈에서만들을 수 있습니다.[102]

재즈 시대

1921 년 1 월 텍사스 휴스턴에서 촬영 된 King & Carter Jazzing Orchestra

1920 년부터 1933 년까지 미국에서의 금지 주류 판매 금지로 인해 불법 발언권이 생겨 "재즈 시대"의 활기 넘치는 장소가되었으며 대중 음악, 댄스 노래, 참신한 노래 및 쇼 튠을 주최했습니다. Jazz는 부도덕 한 것으로 명성을 얻기 시작했고, 많은 노인 세대는 Roaring 20s의 퇴폐적 가치를 홍보함으로써 오래된 문화적 가치에 대한 위협으로 간주했습니다. 헨리 반 다이크 프린스턴 대학은 "... 그것은 전혀 음악이 아니다. 단지 청각의 신경을 자극하고 육체적 열정의 끈을 관능적 인 놀림"이라고 썼다.[103] 뉴욕 타임즈 시베리아 마을 사람들은 곰을 쫓아 내기 위해 재즈를 사용했지만 마을 사람들은 냄비와 프라이팬을 사용했다고보고했습니다. 또 다른 이야기는 유명한 지휘자의 치명적인 심장 마비가 재즈로 인한 것이라고 주장했습니다.[103]

1919 년 키드 오리뉴 올리언스 출신의 오리지널 크리올 재즈 뮤지션 밴드는 샌프란시스코와 로스 앤젤레스에서 연주를 시작했으며, 1922 년에는 뉴 올리언스 출신의 최초의 흑인 재즈 밴드가 녹음을했습니다.[104][105] 같은 해에 베시 스미스 그녀의 첫 녹음을했습니다.[106] 시카고는 "핫 재즈"및 올리버 왕 가입 빌 존슨. Bix Beiderbecke는 1924 년 The Wolverines를 결성했습니다.

남부 흑인의 기원에도 불구하고 백인 오케스트라가 연주하는 재즈 댄스 음악 시장이 더 커졌습니다. 1918 년 폴 화이트 맨 그의 오케스트라는 샌프란시스코에서 히트를 쳤습니다. 그는 계약을 체결했습니다 승리자 1920 년대 최고의 밴드 리더가되어 핫 재즈에 흰색 요소를 부여하고 다음과 같은 백인 뮤지션을 고용합니다. 빅스 베이더 베케, 지미 도시, 토미 도지, 프랭키 트럼 바우어, 및 조 베누 티. 1924 년 Whiteman은 George Gershwin의 파란색 랩소디, 그의 오케스트라가 초연했습니다. 재즈는 주목할만한 음악 형식으로 인식되기 시작했습니다. Olin Downes, 콘서트 검토 뉴욕 타임즈, "이 작품은 자신의 능력을 훨씬 뛰어 넘는 목표를 가진 젊은 작곡가를 보여 주며, 그가 마스터가 될 수없는 형태로 고군분투하는 모습을 보여주기 때문에 뛰어난 재능을 보여줍니다. ...이 모든 것에도 불구하고 그는 자신을 의미 있고 전체적으로 매우 독창적 인 형태로 표현했습니다. ... 그의 첫 번째 주제는 단순한 댄스 곡이 아닙니다 ... 그것은 하나의 아이디어 또는 여러 아이디어이며, 다양하고 대조적으로 상호 연관되고 결합됩니다. 듣는 사람을 즉시 끌어들이는 리듬. "[107]

Whiteman의 밴드가 성공적으로 유럽을 순회 한 후, 극장 구덩이에있는 거대 핫 재즈 오케스트라는 다음과 같은 다른 백인들과 함께했습니다. 프레드 워링, 진 골드 케트, 및 나다니엘 실크 렛. Mario Dunkel에 따르면 Whiteman의 성공은 그가 이전에 착각 한 ( "검은") 종류의 음악을 높이고 귀중한 ( "백색"으로 읽음) 만든 "가축의 수사학"에 기반을두고 있다고합니다.[108]

루이 암스트롱 뉴 올리언스에서 커리어를 시작했고 재즈에서 가장 유명한 연주자가되었습니다.

Whiteman의 성공으로 인해 흑인들은 얼 하인즈 (1928 년 시카고의 The Grand Terrace Cafe에 문을 연 사람), 듀크 엘링턴 (열린 사람 코튼 클럽 1927 년 할렘에서) 라이오넬 햄튼, 플레처 헨더슨, 클로드 홉킨스, 및 돈 레드 만, Henderson과 Redman이 "뜨거운"스윙 음악을위한 "서로 대화"공식을 개발했습니다.[109]

1924 년 Louis Armstrong은 1 년 동안 Fletcher Henderson 댄스 밴드에 솔리스트로 합류했습니다. 원래 뉴 올리언스 스타일은 주제 변형과 동시 집단 즉흥 연주와 함께 다 성음이었습니다. 암스트롱은 고향 스타일의 대가 였지만 Henderson의 밴드에 합류했을 때 이미 편곡과 솔로이스트에 중점을 둔 새로운 재즈 단계의 선구자였습니다. 암스트롱의 솔로는 테마 즉흥 개념을 훨씬 뛰어 넘어 멜로디가 아닌 코드를 강조했습니다. Schuller에 따르면 암스트롱의 밴드 메이트 (젊은이 포함)의 솔로 콜맨 호킨스), "딱딱하고 딱딱한"소리, "저키 리듬과 회색의 뚜렷한 음질".[110] 다음 예제는 "Mandy, Make Up Your Mind"의 곧은 멜로디의 짧은 발췌를 보여줍니다. 조지 W. 마이어 그리고 Arthur Johnston (위)은 Armstrong의 솔로 즉흥 연주 (아래) (1924 년 녹음)와 비교했습니다.[111] 암스트롱의 솔로는 재즈를 진정한 20 세기 언어로 만드는 데 중요한 요소였습니다. Henderson의 그룹을 떠난 후 Armstrong은 핫 파이브 그가 대중화 한 밴드 scat 노래.[112]

1920 년대와 1930 년대 스윙

베니 굿맨 (1943)

1930 년대는 대중에 속했다 그네 일부 거장 솔리스트가 밴드 리더만큼 유명해진 빅 밴드. "빅"재즈 밴드 개발의 주요 인물에는 밴드 리더와 편곡가 포함 카운트 베이시, 택시 캘러웨이, 조립식 쇠지레토미 도지, 듀크 엘링턴, 베니 굿맨, 플레처 헨더슨, 얼 하인즈, 해리 제임스, 지미 런스 포드, 글렌 밀러아티 쇼. 비록 집단적인 사운드 였지만, 스윙은 또한 개별 뮤지션들에게 "솔로"하고 때로는 복잡한 "중요한"음악이 될 수있는 멜로디, 주제별 솔로를 즉흥적으로 만들 수있는 기회를 제공했습니다.

시간이 지남에 따라 인종 차별에 대한 사회적 제약이 미국에서 완화되기 시작했습니다. 백인 밴드 리더는 흑인 음악가를, 흑인 밴드 리더는 백인을 모집하기 시작했습니다. 1930 년대 중반, Benny Goodman은 피아니스트를 고용했습니다. 테디 윌슨, 비브 라포 니스트 라이오넬 햄튼 및 기타리스트 찰리 크리스천 소그룹에 가입합니다. 1930 년대에, 테너 색소폰 연주자가 예시 한 Kansas City Jazz 레스터 영 빅 밴드에서 1940 년대의 비밥 영향으로의 전환을 표시했습니다. "블루스 점프"또는 1940 년대 초 스타일 블루스 점프 사용 된 작은 콤보, 업 템포 음악 및 블루스 코드 진행 부기 우기 1930 년대부터.

듀크 엘링턴의 영향

허리케인 클럽의 듀크 엘링턴 (1943)

스윙이 인기의 정점에 이르렀을 때 듀크 엘링턴 1920 년대 후반과 1930 년대에 그의 오케스트라를위한 혁신적인 음악 관용구를 개발했습니다. 스윙의 관습을 버리고 오케스트라 사운드, 하모니, 그리고 뮤지컬 형식 여전히 인기있는 청중을 위해 잘 번역 된 복잡한 구성; 그의 곡 중 일부는 히트, 그리고 그의 인기는 미국에서 유럽까지 퍼졌습니다.[113]

Ellington은 그의 음악을 불렀다. 미국 음악,보다는 재즈, 그를 감동시킨 사람들을 "범주를 넘어서"라고 묘사하는 것을 좋아했습니다.[114] 여기에는 그의 오케스트라 출신의 많은 뮤지션이 포함되었으며, 그중 일부는 자체적으로 재즈에서 최고로 간주되지만 재즈 역사상 가장 인기있는 재즈 오케스트라 중 하나로 이들을 융합 한 것은 Ellington이었습니다. 그는 종종 이러한 개인의 스타일과 기술을 위해 작곡했습니다. 예를 들어 "Jeep 's Blues"는 조니하지 스, "Cootie에 대한 우려" 쿠티 윌리엄스 (나중에 "나에게서들을 때까지 아무것도하지 마십시오"와 함께 밥 러셀의 가사), "The Mooche" 까다로운 Sam Nanton버버 마일리. 그는 또한 그의 밴드 맨이 쓴 작곡을 녹음했습니다. 후안 티졸의 "대상"및"Perdido"Spanish Tinge"를 빅 밴드 재즈로 가져 왔습니다. 오케스트라의 여러 멤버는 수십 년 동안 그와 함께했습니다. 밴드는 1940 년대 초 Ellington과 소수의 작곡가 그룹이 창조적 인 정점에 도달했습니다. 그리고 편곡자들은 엄청난 창의력을 보여준 독특한 목소리의 오케스트라를 위해 썼습니다.[115]

유럽 ​​재즈의 시작

유럽에서는 제한된 수의 미국 재즈 음반 만이 발매 되었기 때문에 유럽 재즈는 James Reese Europe, Paul Whiteman, 로니 존슨, 제 1 차 세계 대전 중과 그 이후에 유럽을 방문한 이들은 그들의 라이브 공연으로 재즈에 대한 유럽 청중의 관심을 불러 일으켰으며,이 기간 동안 유럽의 경제적, 정치적 문제를 동반 한 미국 (따라서 이국적인) 모든 것에 대한 관심을 불러 일으켰습니다. 시각.[116] 독특한 유럽 스타일의 재즈의 시작은이 전간기에 등장하기 시작했습니다.

영국 재즈는 1919 년 오리지널 딕시 랜드 재즈 밴드 투어. 1926 년 프레드 엘리 잘데 그의 캠브리지 학부생들은 BBC에서 방송을 시작했습니다. 그 후 재즈는 많은 선도적 인 댄스 오케스트라에서 중요한 요소가되었고 재즈 악기 연주자가 많아졌습니다.[117]

이 스타일은 프랑스에서 본격적으로 시작되었습니다. Quintette du Hot Club de France, 1934 년에 시작되었습니다.이 프랑스 재즈의 대부분은 아프리카 계 미국인 재즈와 프랑스 음악가가 잘 훈련 된 교향곡 스타일의 조합이었습니다. 그의 스타일도 둘의 융합이기 때문에 Paul Whiteman의 영감을 쉽게 알 수 있습니다.[118] 벨기에 기타리스트 장고 라인 하르트 대중화 집시 재즈, 1930 년대 미국 스윙, 프랑스 댄스홀의 믹스 "작은 잡낭"와 동유럽 사람들은 느슨하고 매혹적인 느낌을 받았습니다. 주요 악기는 강철 현 기타, 바이올린, 더블베이스였습니다. 기타와베이스가 리듬 섹션을 형성함에 따라 솔로는 한 연주자에서 다른 연주자로 넘어갑니다. 일부 연구자들은 에디 랭조 베누 티 장르의 특징 인 기타-바이올린 파트너십을 개척 한[119] 생방송이나 방송을 듣고 프랑스로 가져온 Okeh 레코드 1920 년대 후반.[120]

전후 재즈

발발 제 2 차 세계 대전 재즈의 전환점이되었습니다. 지난 10 년간 스윙 시대의 재즈는 1940 년대 초반에 빅 밴드가 스타일의 성공의 정점에 도달하면서 국가 문화를 대표하는 다른 대중 음악에 도전했습니다. 스윙 행위와 빅 밴드는 미군과 함께 해외로 유럽으로 여행을 떠났고 그곳에서도 인기를 얻었습니다.[121] 그러나 Stateide는 빅 밴드 형식에 어려움을 겪었다. 징집은 이용 가능한 음악가의 수를 줄였다. 군대의 필요 때리다 (보통 프레스에 사용 축음기 기록) 제한된 음반 제작; 고무 부족 (또한 전쟁 노력으로 인해)은 밴드가 도로 여행을 떠나는 것을 막았습니다. 뮤지션 조합의 상업 녹음에 대한 요구는 1942 년과 1944 년 사이에 제한된 음악 배포를 금지합니다.[122]

전쟁 노력으로 인해 경험 많은 음악가를 박탈당한 많은 빅 밴드는 색소폰 연주자의 경우와 마찬가지로 징집 연령 미만의 젊은 연주자를 모집하기 시작했습니다. 스탠 게츠십대 때 밴드에 들어갔다.[123] 이것은 딕시 랜드 (Dixieland) 스타일의 프리 스윙 재즈가 전국적으로 부활 한 것과 일치했습니다. 클라리넷 연주자와 같은 연주자 조지 루이스, 코네 티스트 빌 데이비슨및 트롬본 연주자 터크 머피 보수적 인 재즈 비평가들은 빅 밴드보다 더 정통하다고 환호했습니다.[122] 다른 곳에서는 녹음의 한계로 인해 소그룹의 젊은 뮤지션들이보다 업 템포적이고 즉흥적 인 재즈 스타일을 개발했습니다.[121] 멜로디 개발, 리드미컬 한 언어, 그리고 새로운 아이디어로 협력하고 실험 고조파 대체, 소규모 클럽과 아파트에서 개최되는 비공식적 인 심야 잼 세션 동안. 이 개발의 주요 인물은 주로 뉴욕에 기반을두고 있으며 피아니스트를 포함했습니다. Thelonious Monk버드 파월, 드러머 맥스 로치케니 클라크, 색소폰 연주자 찰리 파커및 트럼펫 디지 길레스피.[122] 이 음악적 발전은 다음과 같이 알려지게되었습니다. 비밥.[121]

Bebop 및 전후 재즈 개발 특집 더 넓은 음표, 더 복잡한 플레이 패턴 그리고 이전 재즈보다 빠른 템포로.[123] 에 따르면 클리브 제임스, bebop은 "재즈가 더 이상 자발적인 기쁨의 소리가되지 않도록하기 위해 노력한 전후 음악 발전이었습니다 ... 미국 인종 관계의 학생들은 일반적으로 전후 재즈의 지수가 좋은 것으로 결정된다는 데 동의합니다. 길 들여진 연예인보다는 도전적인 예술가로 자신을 표현하는 것입니다. "[124] 미국의 학자 인 Michael H.에 따르면 전쟁의 끝은 "실험 정신과 그것이 고안되었던 음악적 다원주의의 부활"과 함께 "미국에서 재즈 음악의 인기 하락의 시작"으로 표시되었습니다. Burchett.[121]

비밥의 부상과 전쟁 후 스윙 시대의 끝으로 재즈는 대중 음악. 유명한 빅 밴드의 보컬리스트는 솔로 팝 가수로 마케팅 및 공연을 시작했습니다. 이들은 포함 프랭크 시나트라, 페기 리, 딕 헤 임스, 및 도리스 데이.[123] 암스트롱과 엘링턴과 같이 전쟁 전 재즈를 연주했던 나이 많은 음악가들은 점차 주류에서 파세로 간주되었습니다. 가수와 같은 다른 젊은 공연자 빅 조 터너 그리고 색소폰 연주자 루이스 조던비밥의 복잡성 증가에 실망한 그는 리듬과 블루스에서 더 수익성있는 노력을 추구했고, 블루스 점프, 그리고 결국 락앤롤.[121] Gillespie를 포함한 일부는 비밥 뮤지션을 위해 복잡하지만 춤을 추는 작품을 작곡하여 더 쉽게 접근 할 수 있도록 만들었지 만 비밥은 대부분 미국 청중의 영역 주변에 남아있었습니다. "전후 재즈의 새로운 방향은 많은 비평가들의 찬사를 받았지만 주류 청중이 거의 접근 할 수없는 학문적 장르로 명성을 쌓아 가면서 꾸준히 인기가 떨어졌습니다."라고 Burchett는 말했습니다. "재즈의 예술적 무결성을 유지하면서 대중적인 청중에게 더 관련성있는 재즈를 만들기위한 탐구는 전후 재즈 역사에서 지속적이고 널리 퍼진 주제입니다."[121] 스윙 기간 동안 재즈는 복잡하지 않은 음악적 장면이었습니다. 에 따르면 폴 트린카, 이것은 전후 해에 변경되었습니다.

갑자기 재즈는 더 이상 간단하지 않았습니다. 비밥과 그 변형이 있었고, 마지막 스윙이 있었고, 다음과 같은 이상한 새로운 양조주가있었습니다. 프로그레시브 재즈Stan Kenton, 그리고 리바이벌 리즘이라는 완전히 새로운 현상이있었습니다. 예전 레코드에서 재즈를 재발견하거나 은퇴 한 노년층 선수들의 라이브 공연이었습니다. 지금부터 재즈를 좋아한다는 말이 좋지 않았고, 어떤 재즈를 지정해야했다. 그리고 그것이 그 이후로 계속되는 방식입니다. 오늘날 '재즈'라는 단어는 추가 정의 없이는 사실상 의미가 없습니다.[123]

비밥

1940 년대 초, 비밥 스타일의 연주자들은 재즈를 댄스 가능한 대중 음악에서보다 도전적인 "음악가의 음악"으로 전환하기 시작했습니다. 가장 영향력있는 비밥 뮤지션에는 색소폰 연주자 포함 찰리 파커, 피아니스트 버드 파월Thelonious Monk, 트럼펫 디지 길레스피클리포드 브라운, 드러머 맥스 로치. 댄스 음악과 이혼 한 비밥은 예술 형식으로 자리 매김하여 잠재적 인 대중적이고 상업적인 매력을 줄였습니다.

작곡가 군터 슐러 "1943 년에 나는 Bird와 다른 모든 위대한 뮤지션들이 포함 된 위대한 Earl Hines 밴드를 들었습니다. 그들은 모든 평탄한 5 화음과 모든 현대 하모니와 치환을 연주하고 있었고 Dizzy Gillespie는 트럼펫 부분 작업에서 실행되었습니다. 몇 년 후 나는 그것이 '밥'이고 현대 재즈의 시작이라는 것을 읽었지만 밴드는 녹음을하지 않았다. "[125]

Dizzy Gillespie는 다음과 같이 썼습니다. "사람들은 Hines 밴드가 'bop의 인큐베이터'이고 그 음악의 주요 지수가 Hines 밴드에서 끝났다고 이야기합니다. 그러나 사람들은 또한 음악이 새롭다는 잘못된 인상을받습니다. 그렇지 않습니다. 음악은 예전부터 진화했습니다. 기본 음악이 똑 같았습니다. 여기에서 여기로 이동하는 방법에 차이가있었습니다 ... 당연히 각 시대마다 고유 한 음악이 있습니다. "[126]

비밥은 춤을 추는 것이 아니라 듣는 것을 의미했기 때문에 더 빠른 템포를 사용할 수 있습니다. 드럼 연주는 좀 더 이해하기 어렵고 폭발적인 스타일로 바뀌 었습니다. 심벌즈를 타다 스네어와베이스 드럼이 악센트에 사용되는 동안 시간을 ​​유지하는 데 사용되었습니다. 이것은 선형적인 리드미컬 한 복잡성을 가진 매우 싱 코핑 된 음악으로 이어졌습니다.[127]

Bebop 뮤지션은 이전에는 재즈에서 일반적이지 않았던 여러 가지 하모닉 장치를 사용하여 코드 기반 즉흥 연주의 추상적 인 형태에 참여했습니다. Bebop 스케일은 반음계가 추가 된 전통적인 스케일입니다.[128] 비밥은 "통과"코드도 사용합니다. 대체 코드, 및 변경된 코드. 새로운 형태의 색채불협화음 재즈에 소개되었고 불협화음 트리톤 (또는 "평평한 5 번째") 간격이 "비밥의 가장 중요한 간격"이되었습니다.[129] 비밥 곡의 코드 진행은 종종 인기있는 스윙 시대의 곡에서 직접 가져와 새롭고 더 복잡한 멜로디와 함께 재사용되거나 더 복잡한 코드 진행과 재 조화되어 새로운 작곡을 형성하는데, 이는 이전 재즈에서 이미 잘 확립 된 연습입니다. 비밥 스타일의 중심이되었습니다. Bebop은 블루스 (베이스에서 I-IV-V이지만 종종 ii-V 모션이 주입 됨) 및 "리듬 변화"(I-VI-ii-V)와 같은 비교적 일반적인 코드 진행을 사용했습니다. 1930 년대 팝 표준 "나는 리듬을 얻었다". Late bop은 또한 팝 및 쇼 곡에서 벗어나 확장 된 형태로 이동했습니다.

비밥의 고조파 발달은 종종 찰리 파커가 "체로키"를 공연하는 동안 경험 한 순간으로 거슬러 올라갑니다. 클락 먼로의 업타운 하우스, New York, 1942 년 초. "사용되는 고정 관념의 변화에 ​​지루 해졌고 ... 뭔가 다른 것이있을 것이라고 계속 생각했습니다. 가끔들을 수있었습니다. 연주 할 수 없었습니다. .. 'Cherokee'작업을하고 있었는데, 그랬던 것처럼 코드의 더 높은 음간을 멜로디 라인으로 사용하고 적절하게 관련된 변경으로 백업함으로써 내가들은 것을 연주 할 수 있다는 것을 발견했습니다. 살아났다. "[130] 게르하르트 쿠빅 비밥의 고조파 발생이 블루스에서 발생했다고 가정하고 아프리카 관련 음색 감성 20 세기 서양 클래식 음악보다는 "청각 적 성향은 [Parker]의 삶에서 아프리카의 유산으로, 블루스 톤 시스템의 경험으로 재확인되었으며, 서양 온음 코드 범주와 상충되는 사운드 세계입니다. Bebop 뮤지션은 강한 음악을 유지하면서 음악에서 서양식 기능적 조화를 제거했습니다. 다양한 아프리카 매트릭스를 그리기위한 기초로서 블루스의 중심 색조. "[130]

Samuel Floyd는 블루스가 비밥의 기반이자 추진력이었으며, 확장 된 화음 구조를 사용하여 전례없는 조화와 멜로디 다양성, 발전되고 훨씬 더 고도로 동기화 된 선형 리듬 복잡성과 멜로디 각도를 유도하는 새로운 조화 개념을 가져 왔다고 말합니다. 5 도의 파란색 음표가 중요한 멜로디 하모닉 장치로 확립되었습니다. 그리고 일차적 조직 및 기능적 원칙으로서 블루스의 재 확립.[127] Kubik은 다음과 같이 썼습니다.

외부 관찰자에게는 비밥의 조화 혁신이 서양의 "진지한"음악 경험에서 영감을받은 것처럼 보입니다. 클로드 드뷔시 ...에 아놀드 쇤베르크, 그러한 계획은인지 적 접근의 증거에 의해 유지 될 수 없습니다. Claude Debussy는 예를 들어 Bix Beiderbecke의 피아노 연주와 같이 재즈에 약간의 영향을 미쳤습니다. Duke Ellington이 유럽 현대 음악에서 일부 하모닉 장치를 채택하고 재 해석 한 것도 사실입니다. West Coast 재즈는 여러 형태의 멋진 재즈처럼 부채에 부딪 힐 것이지만, 비밥은 직접 대출이라는 의미에서 그러한 부채가 거의 없습니다. 오히려 이데올로기 적으로 비밥은 어떤 종류의 절충주의를 거부한다는 강력한 진술로, 자아 속에 깊이 묻혀있는 것을 활성화시키려는 욕망에 의해 추진되었습니다. 그런 다음 Bebop은 블루스를 통해 전달 된 음색-하모닉 아이디어를 되 살리고 기본적으로 비 서구 조화 접근 방식으로 다른 것을 재구성하고 확장했습니다.이 모든 것의 궁극적 인 의미는 1940 년대 재즈 실험이 아프리카 계 미국인 음악 아프리카 전통에 뿌리를 둔 몇 가지 구조적 원리와 기술.[131]

당시 재즈 주류와의 이러한 차이는 팬과 뮤지션, 특히 새로운 하모닉 사운드에 강렬한 스윙 연주자들 사이에서 분열되고 때로는 적대적인 반응을 보였습니다. 적대적인 비평가들에게 비밥은 "경주, 신경질적인 문구"로 가득 찬 것처럼 보였습니다.[132] 그러나 마찰에도 불구하고 1950 년대 비밥은 재즈 어휘의 일부가되었습니다.

아프리카 쿠바 재즈 (cu-bop)

마치 토 (마라카스)와 그의 누이 그라시 엘라 그릴로 (클레이브)

마치 토와 마리오 바우 자

음악가들과 음악가들 사이의 일반적인 합의는 clave를 기반으로 한 최초의 오리지널 재즈 곡이 쿠바 태생의 작곡 "Tanga"(1943) 였다는 것입니다. 마리오 바우 자 그리고 기록 마치 토 뉴욕시에서 그의 아프리카 쿠바 인. "탕가"는 자발적으로 시작되었습니다. Descarga (쿠바 잼 세션), 재즈 솔로가 위에 겹쳐져 있습니다.[133]

이것은의 탄생이었습니다 아프리카 쿠바 재즈. clave의 사용은 아프리카를 가져 왔습니다 타임 라인, 또는 키 패턴, 재즈로. 핵심 패턴을 중심으로 구성된 음악은 복잡한 수준의 아프리카 인 2 셀 (이진) 구조를 전달합니다. 크로스 리듬.[134] 그러나 재즈의 맥락에서 하모니는 리듬이 아니라 주된 기준입니다. 고조파 진행은 clave의 양쪽에서 시작할 수 있으며 고조파 "1"은 항상 "1"로 이해됩니다. 진행이 clave의 "3면"에서 시작되면 3–2 클레이브 (아래 표시). 진행이 "양면"에서 시작되면 2–3 클레이브.[135]

악보가 일시적으로 비활성화됩니다.

디지 길레스피와 차노 포조

디지 길레스피, 1955

마리오 바우 자 비밥 혁신 가인 Dizzy Gillespie를 쿠바 콩가 드러머 겸 작곡가에게 소개 차노 포조. Gillespie와 Pozo의 짧은 협업은 가장 오래 지속되는 아프리카 쿠바 재즈 표준을 만들어 냈습니다. "만 테카"(1947)은 clave를 기반으로 한 리드미컬 한 최초의 재즈 표준입니다. Gillespie에 따르면 Pozo는 층을 이루고 contrapuntal Guajeos (아프로 쿠바 Ostinatos)의 A 섹션과 소개, Gillespie가 다리를 썼습니다. Gillespie는 다음과 같이 회상했습니다. "[Chano]가 원한대로 놓아 주면 완전히 아프리카-쿠바 인이었을 것입니다. 다리가 없었을 것입니다. 저는 8 바 다리를 쓰고 있다고 생각했습니다. 하지만 ... 계속 가야했고 결국 16 바 다리를 작성했습니다. "[136] 이 다리는 "Manteca"에 전형적인 재즈 하모닉 구조를 부여하여 몇 년 전 Bauza의 모달 "Tanga"와는 구별됩니다.

Gillespie와 Pozo의 협업은 특정 아프리카 기반 리듬을 비밥으로 가져 왔습니다. 즉흥 연주의 경계를 넓히면서 cu-bop 또한 아프리카 리듬에서 나왔습니다. 모든 코러스가 솔로 동안 휘어진 라틴 A 섹션과 스윙 B 섹션이있는 재즈 편곡은 재즈 표준 레퍼토리의 많은 라틴 곡에서 일반적으로 사용되었습니다. 이 접근 방식은 1980 년 이전의 "Manteca"녹음에서들을 수 있습니다. "튀니지의 밤","Tin Tin Deo "및"그린 돌핀 스트리트에서".

아프리카 크로스 리듬

몽고 산타 마리아 (1969)

쿠바 타악기 연주자 몽고 산타 마리아 그의 작곡을 처음 녹음했습니다. "아프로 블루"1959 년.[137]"Afro Blue"는 전형적인 아프리카 3 대 2 (3 : 2)를 기반으로 한 최초의 재즈 표준이었습니다. 크로스 리듬, 또는 헤미 올라.[138] 작품은베이스가 각 소절 당 6 개의 크로스 비트를 반복적으로 연주하는 것으로 시작됩니다. 12
8
, 또는 4 개의 메인 비트 당 6 개의 크로스 비트 —6 : 4 (3 : 2의 두 셀).

다음 예는 원본을 보여줍니다. Ostinato "아프로 블루"베이스 라인. 십자 메모 헤드는 주요 비트 (베이스 노트가 아님).


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언제 존 콜트레인 1963 년에 "Afro Blue"를 다루면서 그는 메트릭 계층 구조를 뒤집어 곡조를 3
4
재즈 왈츠 이중 크로스 비트가 겹쳐져 있습니다 (2 : 3). 원래 B 오음의 Blues, Coltrane은 "Afro Blue"의 조화 구조를 확장했습니다.

아마도 가장 존경받는 아프로 큐반 재즈 1950 년대 후반의 콤보는 비브 라포 니스트였습니다. Cal Tjader의 밴드. Tjader는 몽고 산타 마리아, 아르만도 페라 자, 및 윌리 보보 그의 초기 녹음 날짜에.

딕시 랜드 부흥

1940 년대 후반에 딕시 랜드, contrapuntal New Orleans 스타일을 떠올리게합니다. 이는 1930 년대 올리버, 모튼, 암스트롱 밴드가 재즈 클래식을 재 호출 한 레코드 회사에 의해 크게 주도되었습니다. 부흥에는 두 가지 유형의 뮤지션이 참여했습니다. 첫 번째 그룹은 전통적인 스타일로 연주를 시작하고 다시 돌아온 사람들 (또는 계속 연주했던 음악을 계속)으로 구성되었습니다. 밥 크로스비의 밥캣, 맥스 카민스키, 에디 콘돈, 및 와일드 빌 데이비슨.[139] 이 연주자들의 대부분은 원래 Midwesterners 였지만, 적은 수의 New Orleans 뮤지션이 참여했습니다. 두 번째 부흥 운동가 그룹은 젊은 음악가로 구성되었습니다. Lu Watters 밴드, 콘래드 재니스, 및 Ward Kimball 그리고 그의 파이어 하우스 파이브 플러스 투 재즈 밴드. 1940 년대 후반에 Louis Armstrong의 Allstars 밴드는 최고의 앙상블이되었습니다. 1950 년대와 1960 년대에 딕시 랜드는 미국, 유럽, 일본에서 가장 상업적으로 인기있는 재즈 스타일 중 하나 였지만 비평가들은 거의 관심을 기울이지 않았습니다.[139]

하드 밥

Hard bop은 특히 색소폰과 피아노 연주에서 블루스, 리듬과 블루스, 가스펠의 영향을 포함하는 비밥 (또는 "밥") 음악의 확장입니다. Hard bop은 1950 년대 중반에 개발되어 1953 년과 1954 년에 통합되었습니다. 1950 년대 초 쿨 재즈의 유행에 부분적으로 반응하여 리듬과 블루스의 상승과 함께 발전했습니다. Miles Davis의 1954 년 공연 "Walkin '" 뉴 포트 재즈 페스티벌 재즈 세계에 스타일을 발표했습니다.[140] 5 중주 Art Blakey와 Jazz Messengers가 이끄는 Blakey 피아니스트 피처링 호레이스 실버 트럼펫 연주자 클리포드 브라운, 데이비스와 함께 하드 밥 운동의 리더였습니다.

모달 재즈

모달 재즈는 1950 년대 후반에 시작된 개발입니다. 방법또는 음악적 규모를 음악 구조 및 즉흥 연주의 기초로 사용합니다. 이전에는 솔로가 주어진 코드 진행그러나 모달 재즈에서는 솔로이스트가 하나 (또는 ​​적은 수의) 모드를 사용하여 멜로디를 만듭니다. 따라서 강조가 하모니에서 멜로디로 옮겨졌습니다.[141] "역사적으로 이것은 재즈 뮤지션들 사이에 수직적 사고 (코드)에서 벗어나보다 수평적인 접근 (스케일)으로의 지진 변화를 일으켰습니다."[142] 설명 된 피아니스트 마크 레빈.

모달 이론은 조지 러셀. Miles Davis는 더 큰 재즈 세계에 개념을 소개했습니다. 블루의 종류 (1959), 역대 베스트셀러 재즈 앨범이 될 모달 재즈의 가능성에 대한 탐구. 하드 밥과 복잡한 코드 진행 및 즉흥 연주를 사용한 Davis의 초기 작업과는 대조적으로, 블루의 종류 뮤지션에게 즉흥 연주와 스타일의 매개 변수를 정의하는 스케일을 부여한 일련의 모달 스케치로 구성되었습니다.[143]

"나는 음악을 쓰지 않았다. 블루의 종류,하지만 내가 많은 자발성을 원했기 때문에 모두가 연주해야 할 것에 대한 스케치를 가져 왔습니다. "[144] 데이비스를 회상했다. "So What"트랙에는 두 개의 코드 만 있습니다. D-7 그리고 E-7.[145]

이 스타일의 다른 혁신가는 다음과 같습니다. 재키 맥린,[146] 그리고 연주했던 두 뮤지션 블루의 종류: John Coltrane 및 Bill Evans.

무료 재즈

존 콜트레인, 1963

프리 재즈 및 관련 형식 아방가르드 재즈, 미터, 비트 및 형식 대칭이 모두 사라진 "자유 음조"의 열린 공간으로 침투했습니다. 세계 음악 인도, 아프리카, 아라비아 출신은 강렬하고 심지어 종교적으로도 황홀한 스타일의 연주 스타일로 융합되었습니다.[147] 비밥에서 느슨하게 영감을 받았지만, 무료 재즈 곡은 플레이어에게 훨씬 더 많은 자유를 제공했습니다. 이 접근 방식이 처음 개발되었을 때 느슨한 하모니와 템포는 논란의 여지가있는 것으로 간주되었습니다. 베이시스트 Charles Mingus 그의 작곡은 무수한 스타일과 장르에서 비롯되었지만 재즈의 아방가르드와 자주 관련이 있습니다.

최초의 큰 감동은 1950 년대에 오 네트 콜맨 (1960 년 앨범 프리 재즈 : 집단 즉흥 연주 용어를 만들었습니다) 및 세실 테일러. 1960 년대에는 지수가 포함되었습니다. 알버트에 일러, 가토 바비 에리, 칼라 블리, 돈 체리, 래리 코릴, 존 콜트레인, 빌 딕슨, 지미 지 프르, 스티브 레이스, 마이클 맨틀 러, Sun Ra, 로즈웰 러드, 파로 아 샌더스, 및 존 치카이. 그의 후기 스타일을 개발할 때, Coltrane은 특히 베이시스트와 Ayler의 트리오의 불협화음에 영향을 받았습니다. 게리 피콕 드러머 써니 머레이, 리듬 섹션 세실 테일러 리더로. 1961 년 11 월 Coltrane은 Village Vanguard에서 공연을했고 '기차'추격, 어느 다운 비트 잡지는 "안티 재즈"로 패닝되었습니다. 1961 년 프랑스 투어에서 그는 야유를 받았지만 인내심을 갖고 새로운 충동! 기록 1960 년에 이곳을 "트랜이 지은 집"으로 바꾸면서 많은 젊은 프리 재즈 뮤지션을 옹호하면서 아치 셰프, 자주 트럼펫 연주자 빌 딕슨, 누가 4 일 동안 조직했는지 "재즈의 10 월 혁명"최초의 무료 재즈 페스티벌 인 1964 년 맨해튼에서.

1965 년 상반기에 클래식 4 중주와 함께 녹음 된 일련의 녹음은 Coltrane의 연주가 점점 더 추상적이되었으며 다음 성, 배음 활용 및 연주 알티 시모 등록 및 Coltrane의 돌연변이 반환 소리의 시트. 스튜디오에서 그는 테너 색소폰에 집중하기 위해 소프라노를 포기했습니다. 또한 4 중주단은 자유를 늘리며 리더에게 반응했다. 그룹의 진화는 녹음을 통해 추적 할 수 있습니다 John Coltrane Quartet 연극, 거주 공간전이 (모두 1965 년 6 월), 뉴 포트의 새로운 것 (1965 년 7 월), 썬쉽 (1965 년 8 월) 첫 번째 명상 (1965 년 9 월).

1965 년 6 월, Coltrane과 10 명의 다른 뮤지션이 승천, 젊은 아반떼 가르드 뮤지션과 Coltrane의 모험적인 솔로가 포함 된 40 분 길이의 작품으로, 솔로를 분리 한 집단 즉흥 연주 섹션에서 주로 논란이되었습니다. Dave Liebman 나중에 그것을 "무료 재즈에 불을 붙인 횃불"이라고 불렀습니다. Coltrane은 다음 몇 달 동안 4 중주와 함께 녹음 한 후 1965 년 9 월 Pharoah Sanders를 밴드에 가입하도록 초대했습니다. Coltrane은 감정적 인 느낌표로 자주 오버 블로잉을 사용했지만 Sanders는 전체 솔로를 과도하게 불어서 지속적으로 악기의 altissimo 범위에서 비명과 비명을 지르는 소리.

유럽의 무료 재즈

피터 브 뢰츠 만 유럽 ​​프리 재즈의 핵심 인물입니다.

유럽에서 프리 재즈를 연주 한 이유는 Ayler, Taylor, 스티브 레이스, 및 에릭 돌피 그곳에서 오랜 시간을 보냈고, 마이클 맨틀 러존 치카이 미국 음악을 직접 경험하기 위해 미국을 여행했습니다. 유럽 ​​현대 재즈는 피터 브 뢰츠 만, 존 서먼, Krzysztof Komeda, Zbigniew Namysłowski, 토마스 스탄 코, Lars Gullin, 조 해리엇, Albert Mangelsdorff, 케니 휠러, 그레이엄 콜리어, 마이클 개릭마이크 웨스트 브룩. 그들은 그들의 유산을 반영하는 음악에 대한 접근 방식을 개발하기를 열망했습니다.

1960 년대 이후로 암스테르담의 창의적인 재즈 장면과 같은 유럽의 창의적인 재즈 센터가 발전했습니다. 드러머의 작업에 따라 한 베닝 크 피아니스트 미샤 멘겔 버그, 음악가들은 형태 (멜로디, 리듬, 유명한 노래)가 발견 될 때까지 집단적으로 즉흥적으로 탐구하기 시작했습니다. 재즈 평론가 케빈 화이트 헤드 암스테르담의 무료 재즈 장면과 ICP (Instant Composers Pool) 오케스트라와 같은 주요 지수를 그의 저서에 기록했습니다. 뉴 더치 스윙. 1990 년대부터 Keith Jarrett은 비판으로부터 프리 재즈를 옹호했습니다. 영국 작가 스튜어트 니콜슨 (Stuart Nicholson)은 유럽의 컨템포러리 재즈가 미국 재즈와 다른 정체성을 가지고 있으며 다른 궤적을 따른다고 주장했습니다.[148]

라틴 재즈

라틴 재즈는 라틴 아메리카 리듬을 사용하는 재즈이며 일반적으로 라틴 아메리카의 단순한 재즈보다 더 구체적인 의미를 갖는 것으로 이해됩니다. 더 정확한 용어는 아프리카 라틴 재즈, 재즈 하위 장르는 일반적으로 아프리카에서 직접적인 아날로그가 있거나 다른 재즈에서 일반적으로들을 수있는 것 이상의 아프리카 리듬 적 영향을 나타내는 리듬을 사용합니다. 라틴 재즈의 두 가지 주요 카테고리는 다음과 같습니다. 아프리카 쿠바 재즈 그리고 브라질 재즈.

1960 년대와 1970 년대에 많은 재즈 뮤지션들이 쿠바와 브라질 음악에 대한 기본적인 이해 만 가졌고, 쿠바 또는 브라질 요소를 사용한 재즈 작곡은 종종 "라틴 곡"이라고 불 렸습니다. 아들 몬 투노 그리고 브라질 사람 보사 노바. 2000 년까지도 Mark Gridley의 재즈 스타일 : 역사와 분석보사 노바베이스 라인을 "라틴베이스 피겨"라고합니다.[149] 1960 년대와 1970 년대에 콩가가 쿠바 인을 연주하는 것을 듣는 것은 드문 일이 아닙니다. Tumbao 드럼셋과베이스는 브라질 보사 노바 패턴을 연주했습니다. "Manteca", "On Green Dolphin Street"및 "Song for My Father"와 같은 많은 재즈 표준에는 "라틴"A 섹션과 스윙 B 섹션이 있습니다. 일반적으로 밴드는 헤드의 A 부분에서 8 번째 "라틴"느낌 만 연주하고 모든 솔로에서 스윙합니다. 라틴 재즈 전문가는 Cal Tjader 예외 인 경향이있었습니다. 예를 들어, "튀니지의 밤"의 1959 년 라이브 Tjader 녹음에서 피아니스트 빈스 구 아랄 디 정통에 걸쳐 전체 형태를 통해 솔로 맘보.[150]

아프리카 쿠바 재즈 르네상스

대부분의 역사에서 Afro-Cuban 재즈는 쿠바 리듬 위에 재즈 프레이즈를 겹쳐 놓는 문제였습니다. 그러나 1970 년대 말에는 두 가지 모두에 능통 한 새로운 세대의 뉴욕시 음악가들이 등장했습니다. 살사 댄스 음악과 재즈는 재즈와 쿠바 리듬의 새로운 수준의 통합으로 이어집니다. 이 창의성과 활력의 시대는 곤잘레스 형제 인 제리 (콩가와 트럼펫)와 앤디 (베이스)가 가장 잘 표현합니다.[151] 1974 ~ 1976 년에 그들은 에디 팔미 에리의 가장 실험적인 살사 그룹 : 살사는 매체 였지만 팔미 에리는 새로운 방식으로 형태를 확장했습니다. 그는 McCoy Tyner 유형의 뱀파이어와 함께 평행 4 분의 1을 통합했습니다. 팔미 에리, 곤잘레스 형제 등의 혁신은 뉴욕시에서 아프로 쿠바 재즈 르네상스로 이어졌습니다.

이것은 쿠바의 발전과 병행하여 발생했습니다.[152] 이 새로운 물결의 첫 번째 쿠바 밴드는 Irakere. 그들의 "Chékere-son"(1976)은 그 당시까지 쿠바 대중 음악과 라틴 재즈의 전형이었던보다 각진 구아 제 기반 라인에서 출발 한 "쿠바 화"비밥 풍미의 혼 라인 스타일을 도입했습니다. 그것은 찰리 파커의 작곡 "Billie 's Bounce"를 기반으로하며, clave와 bebop horn 라인을 융합하는 방식으로 뒤섞였습니다.[153] Irakere의 Afro-Cuban 민속 / 재즈 퓨전에 대한 일부 밴드 멤버들의 양면성에도 불구하고, 그들의 실험은 쿠바 재즈를 영원히 바꾸어 놓았습니다. 그들의 혁신은 여전히 ​​쿠바 재즈와 재즈와 복합 컨템포러리에서 높은 수준의 조화와 리듬의 복잡성에서 들립니다. 유명한 댄스 음악의 형태 팀바.

아프리카-브라질 재즈

나나 바스 콘셀 로스 (Nana Vasconcelos) Berimbau

브라질 재즈와 같은 보사 노바는 다음에서 파생됩니다. 삼바, 재즈 및 기타 20 세기 클래식 및 대중 음악 스타일의 영향을 받았습니다. Bossa는 일반적으로 포르투갈어 또는 영어로 노래되는 멜로디와 함께 적당히 속도를 내며 관련 재즈 삼바는 거리 삼바를 재즈로 개조 한 것입니다.

bossa nova 스타일은 브라질 인에 의해 개척되었습니다. 주앙 길 베르토안토니오 카를로스 조빔 인기를 얻었습니다. 엘리제 테 카르도소님의 "Chega de Saudade"에 Canção do Amor Demais LP. Gilberto의 초기 출시 및 1959 년 영화 블랙 오르페우스에서 상당한 인기를 얻었습니다. 라틴 아메리카; 이것은 미국 재즈 뮤지션을 방문하여 북미로 퍼졌습니다. 결과 기록 찰리 버드 Stan Getz는 보사 노바의 인기를 굳건히하여 1963 년대 Getz / Gilberto, 다음과 같은 유명한 재즈 연주자의 수많은 녹음 엘라 피츠 제럴드프랭크 시나트라, 그리고 궁극적으로 보사 노바 스타일이 세계 음악에 지속적인 영향을 미치게됩니다.

브라질 타악기 연주자 에어 토 모레이라나나 바스 콘셀 로스 또한 아프리카-브라질 민속 악기와 리듬을 다양한 재즈 스타일에 도입하여 국제적으로 재즈에 영향을 미쳐 더 많은 청중을 끌어 들였습니다.[154][155][156]

아프리카에서 영감을받은

랜디 웨스턴

첫번째 재즈 표준 명백한 아프리카 인을 사용하기 위해 비 라틴족이 구성 12
8
크로스 리듬은 웨인 쇼터의 "발자취" (1967).[157] 기록 된 버전 마일즈 스마일 으로 마일즈 데이비스, 저음은 4
4
Tresillo 2:20에 그림. 그러나 "발자국"은 라틴 재즈 조율 : 아프리카의 리드미컬 한 구조는 론 카터 (베이스) 및 토니 윌리엄스 (드럼)의 리드미컬 한 감성을 통해 그네. 작품 전체에서 소리를 냈든 말든 네 비트는 시간적 지시 대상으로 유지됩니다. 다음 예는 12
8
4
4
베이스 라인의 형태. 슬래시로 표시된 메모 헤드는 비트 (베이스 노트가 아님), 보통 "시간을 유지"하기 위해 발을 두드리는 것입니다.


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오음 비늘

사용 오음 비늘 아프리카와 관련된 또 다른 추세였습니다. 아프리카에서 5 음계의 사용은 아마도 수천년 전으로 거슬러 올라갑니다.[158]

맥코이 타이너 솔로에서 5 음 음계의 사용을 완성했습니다.[159] 또한 서 아프리카에서 흔히 볼 수있는 하모니 인 평행 5도 및 4도를 사용했습니다.[160]

마이너 5 음 음계는 블루스 즉흥 연주에서 자주 사용되며 블루스 음계와 마찬가지로 블루스의 모든 코드에서 마이너 5 음 음계를 연주 할 수 있습니다. 다음 오각형 핥기는 블루스 변화를 통해 연주되었습니다. 조 헨더슨 의 위에 호레이스 실버의 "아프리카 여왕"(1965).[161]

재즈 피아니스트, 이론가 및 교육자 마크 레빈 5 음계의 다섯 번째 단계에서 시작하여 생성 된 스케일을 V 5 음계.[162]

눈금의 I (C 5 음), IV (F 5 음) 및 V (G 5 음) 단계에서 시작하는 C 5 음 스케일.[설명 필요]

Levine은 V 펜타토닉 스케일이 표준 II-V-I 재즈 진행의 세 코드 모두에서 작동한다고 지적합니다.[163] 이것은 Miles Davis의 "Tune Up"과 같은 부분에서 사용되는 매우 일반적인 진행입니다. 다음 예는 II-V-I 진행에 대한 V 5 음 스케일을 보여줍니다.[164]

II-V-I 코드 진행에 대한 V 오음 음계.

따라서 John Coltrane의 "거대한 계단"(1960), 16 마디 당 26 개의 코드는 3 개의 5 음 음계 만 사용하여 연주 할 수 있습니다. 니콜라스 슬로 님 스키'에스 비늘과 멜로디 패턴의 동의어 사전, "Giant Steps"의 일부와 사실상 동일한 자료를 포함합니다.[165] "Giant Steps"의 조화로운 복잡성은 가장 진보 된 20 세기 예술 음악 수준입니다. "Giant Steps"위에 오음 음계를 겹쳐 놓는 것은 단순히 조화를 단순화하는 문제가 아니라 솔로잉에 대한 대체 접근 방식을 제공하는 일종의 "아프리카 화"입니다. Mark Levine은보다 전통적인 "변화를 재생하는 것"과 혼합 될 때 5 음 음계가 "구조와 공간이 늘어난 느낌"을 제공한다고 관찰합니다.[166]

신성한 전례 재즈

위에서 언급했듯이 재즈는 영적 및 찬송가를 포함한 아프리카 계 미국인 신성한 음악의 초기 측면에서 통합되었습니다. 세속 재즈 뮤지션들은 종종 자신의 레퍼토리의 일부로 영적 및 찬송가를 연주하거나 "Come Sunday", "Black and Beige Suite"의 일부 듀크 엘링턴. 나중에 다른 많은 재즈 아티스트가 흑인에서 빌려 복음 성가. 그러나 제 2 차 세계 대전 이후에 소수의 재즈 뮤지션이 종교적 배경 및 / 또는 종교적 표현을위한 확장 작업을 작곡하고 연주하기 시작했습니다. 1950 년대 이래로 많은 저명한 재즈 작곡가와 음악가들이 신성한 전례 음악을 연주하고 녹음했습니다.[167] "아비시 니아 미사" 윈턴 마살리스 (Blueengine Records, 2016)이 최근 사례입니다.

불행히도 성스럽고 전례적인 재즈에 대한 글은 비교적 적습니다. 2013 년 박사 논문에서 Angelo Versace는 음악학과 역사 분야를 사용하여 1950 년대의 신성한 재즈 개발을 조사했습니다. 그는 흑인 가스펠 음악과 재즈의 전통이 1950 년대에 결합되어 새로운 장르 인 "신성한 재즈"를 만들어 냈다고 지적했습니다.[168] Versace는 종교적 의도가 세속적 인 재즈와 신성함을 분리한다고 주장했습니다. 신성한 재즈 운동을 시작하는 데 가장 두드러진 것은 피아니스트이자 작곡가였습니다. 메리 루 윌리엄스, 1950 년대 재즈 대중으로 유명했고 듀크 엘링턴. 1974 년 그가 사망하기 전에 샌프란시스코 그레이스 대성당의 연락에 응답하여 듀크 엘링턴 세 개의 신성한 콘서트를 썼습니다 : 1965-A Concert of Sacred Music; 1968-두 번째 신성한 콘서트; 1973-세 번째 신성한 콘서트.

성스럽고 전례적인 재즈의 가장 두드러진 형태는 재즈 매스입니다. 대부분의 경우 교회 예배 환경보다는 콘서트 환경에서 공연되지만이 형식에는 많은 예가 있습니다. 재즈 매스 작곡가의 저명한 예는 메리 루 윌리엄스. 윌리엄스는 1957 년에 천주교로 개종하여 재즈 관용구에서 세 명의 대중을 작곡했습니다.[169] 하나는 1968 년에 구성되어 최근에 마틴 루터 킹 주니어를 암살했습니다. 세 번째는 교황청의 위임을 받았습니다. 1975 년 뉴욕의 성 패트릭 성당에서 한 번 공연되었습니다. 그러나, 그 카톨릭 교회 재즈를 예배에 적절하게 받아들이지 않았습니다. 1966 년 Joe Masters는 Columbia Records를 위해 "Jazz Mass"를 녹음했습니다. 재즈 앙상블은 로마 카톨릭 미사의 영어 텍스트를 사용하여 독주자와 합창단이 합류했습니다.[170] 다른 예로는 "Jazz Mass in Concert"가 있습니다. 랄로 쉬 프린(Aleph Records, 1998, UPC 0651702632725) 및 "Jazz Mass" 빈스 구 아랄 디 (판타지 레코드, 1965). 영국에서는 클래식 작곡가 윌 토드 재즈 앙상블, 솔로이스트, St Martin 's Voices와 함께 자신의 "Jazz Missa Brevis"를 2018 Signum Records 릴리스에서 녹음했으며 "Passion Music / Jazz Missa Brevis"도 "Mass in Blue"로 발매했으며 재즈 오르간 연주자 James Taylor가 "The Rochester Mass "(Cherry Red Records, 2015).[171] 2013 년에 Versace는 베이시스트를 아이크 스텀 그리고 뉴욕의 작곡가 Deanna Witkowski는 신성하고 전례적인 재즈의 현대적 모범이됩니다.[168]

재즈 퓨전

퓨전 트럼펫 마일즈 데이비스 1989 년

1960 년대 말과 1970 년대 초, 재즈 록의 하이브리드 형태 퓨전 재즈 즉흥 연주와 록 리듬, 일렉트릭 악기 및 록 뮤지션의 고도로 증폭 된 무대 사운드를 결합하여 개발되었습니다. 지미 헨드릭스프랭크 자파. 재즈 퓨전은 종종 혼합 미터, 홀수 박자표, 당김, 복잡한 코드 및 하모니를 사용합니다.

에 따르면 모든 음악:

... 1967 년경까지 재즈와 록의 세계는 거의 완전히 분리되었습니다. [하지만 ...] 록이 더 창의적이되고 음악성이 향상되고 재즈계의 일부가 지루해지면서 하드 밥 엄격하게 플레이하고 싶지 않았습니다. 아방가르드 음악, 두 개의 다른 관용구는 아이디어를 교환하고 때때로 힘을 결합하기 시작했습니다.[172]

마일즈 데이비스의 새로운 방향

1969 년 Davis는 재즈에 대한 전기 악기 접근 방식을 완전히 수용했습니다. 조용히그의 첫 번째 퓨전 앨범이라고 할 수있다. 프로듀서가 많이 편집 한 두 개의 옆으로 긴 스위트로 구성됨 테오 마세로,이 조용하고 정적 인 앨범은 개발에 똑같이 영향을 미칠 것입니다. 주변 음악.

Davis는 다음과 같이 회상합니다.

제가 1968 년에들은 음악은 제임스 브라운, 위대한 기타 연주자 지미 헨드릭스, 히트 레코드를 막 나온 새 그룹 "음악에 맞춰 춤을", 교활한 가족 돌 ... 좀 더 바위처럼 만들고 싶었습니다. 녹음했을 때 조용히 나는 모든 코드 시트를 버리고 모두에게 그것을 연주하라고 말했습니다.[173]

두 명의 기여자 조용히 또한 오르간 연주자에 합류 래리 영 초기 호평을받은 퓨전 앨범 중 하나를 만들려면 : 비상 사태! (1969) Tony Williams 평생.

사이키델릭 재즈

날씨보고

날씨보고자칭 전자 및 사이키델릭 날씨보고 데뷔 앨범은 1971 년에 도착했을 때 재즈계에 센세이션을 일으켰습니다. 그룹 멤버들 (타악기 연주자 포함 에어 토 모레이라) 및 음악에 대한 비 정통적인 접근 방식. 이 앨범은 말년의 경우보다 부드러운 사운드를 특징으로합니다 (주로 Shorter와 함께 어쿠스틱베이스를 사용 소프라노 색소폰, 및 없음 신디사이저 관련), 그러나 여전히 초기 융합의 고전으로 간주됩니다. 아방가르드 실험을 바탕으로 조 자비 눌 Shorter는 Miles Davis와 함께 암캐 브루, 연속적인 리듬과 움직임을 선호하는 헤드 앤 코러스 구성의 회피를 포함하여 음악을 더욱 발전 시켰습니다. 그룹의 표준 방법론에 대한 거부를 강조하기 위해 앨범은 Shorter의 극도로 음소거 된 색소폰이 Zawinul의 피아노 현에서 진동을 유도하는 반면 후자는 악기를 페달을 밟은 것이 특징 인 알 수없는 전위적인 분위기의 곡 "Milky Way"로 시작되었습니다. 다운 비트 앨범을 "범주를 넘어서는 음악"으로 묘사하고 그해 잡지의 여론 조사에서 올해의 앨범을 수상했습니다.

날씨보고의 후속 릴리스는 창의적인 펑크 재즈 작품이었습니다.[174]

재즈 록

일부 재즈 순수 주의자들은 재즈와 록의 혼합에 대해 항의했지만, 많은 재즈 혁신가들은 현대의 하드 밥 씬에서 퓨전으로 넘어갔습니다. 락의 일렉트릭 악기 (일렉트릭 기타, 일렉트릭베이스, 일렉트릭 피아노 및 신디사이저 키보드 등)뿐만 아니라 퓨전도 강력한 증폭을 사용했습니다. "퍼즈"페달, 와와 페달 1970 년대 록 밴드가 사용했던 기타 효과. 재즈 퓨전의 주목할만한 공연자에는 Miles Davis, 에디 해리스, 키보드 연주자 조 자비 눌, 병아리 코리아, 비브 라포 니스트 Herbie Hancock 게리 버튼, 드러머 Tony Williams (드러머), 바이올리니스트 Jean-Luc Ponty, 기타리스트 래리 코릴, Al Di Meola, 존 맥러플린, 가와사키 료, 및 프랭크 자파, 색소폰 연주자 Wayne Shorter 및 베이시스트 자코 파스토리우스스탠리 클라크. 재즈 퓨전은 일본에서도 인기가 많았습니다. Casiopea 30 개 이상의 퓨전 앨범을 발표했습니다.

재즈 작가 스튜어트 니콜슨 (Stuart Nicholson)에 따르면, "1960 년대에 완전히 새로운 음악 언어를 창조하기 직전에 프리 재즈가 등장했듯이 ... 재즈 록은 윌리엄스와 같은 앨범과 함께 똑같은 일을 할 것이라는 약속을 간략하게 제안했습니다." 비상 사태! (1970) 및 Davis ' Agharta Nicholson (1975)은 "이전에 사라진 모든 사운드 및 관습과는 완전히 별 개인 완전히 독립적 인 장르로 스스로를 정의 할 수있는 어떤 것으로 진화 할 가능성을 제안했습니다."라고 말했습니다. 니콜슨은이 장르가 1970 년대 말에 "최종적으로 FM 라디오에 정착 한 독특한 재즈에 영향을받은 팝 음악 종으로 변이"되면서 상업주의에 의해 억제되었다고 말했다.[175]

재즈 펑크

1970 년대 중반까지 재즈 펑크라고 알려진 사운드가 발전했습니다. 백 비트 (), 전기 소리[176] 그리고 종종 전자의 존재 아날로그 신디사이저. 재즈 펑크는 또한 아프리카 전통 음악, 아프리카 쿠바 리듬 및 자메이카의 영향을받습니다. 레게, 특히 Kingston 밴드 리더 소니 브래드쇼. 또 다른 특징은 즉흥 연주에서 작곡으로의 강조 전환입니다. 편곡, 멜로디 및 전반적인 작문이 중요해졌습니다. 통합 펑키 재즈, 영혼, 및 R & B 음악을 재즈로 전환 한 결과 스펙트럼이 광범위하고 강력한 장르의 장르가 탄생했습니다. 재즈 즉흥 연주 재즈 편곡, 재즈와 함께 소울, 펑크 또는 디스코 리프 재즈 솔로, 때로는 소울 보컬.[177]

초기 예는 Herbie Hancock의 헤드 헌터 밴드와 Miles Davis ' 모퉁이에서 1972 년 데이비스가 재즈 펑크로 진출하기 시작한 앨범은 재즈를 거의 포기한 젊은 흑인 청중과 다시 연결하려는 시도 였다고 주장했다. 그리고 펑크. 눈에 띄는 바위와 펑크 영향이 있지만 음색 사용 된 악기 중 인디언 탐 보라와 타블라, 쿠바 콩가와 봉고와 같은 다른 음색과 리드미컬 한 질감은 다중 레이어 사운드 스케이프를 만듭니다. 앨범은 일종의 정점이었습니다. musique concrète 데이비스와 프로듀서에게 테오 마세로 1960 년대 후반에 탐험을 시작했습니다.

1980 년대 전통주의

1980 년대는 1970 년대를 지배했던 퓨전과 프리 재즈에 대한 반작용을 보았습니다. 퍼뜨리는 사람 윈턴 마살리스 10 년 초에 등장했으며, 퓨전과 프리 재즈를 모두 거부하고 다음과 같은 아티스트가 처음 개척 한 크고 작은 형태의 확장을 창조하면서 전통이라고 믿었던 것 내에서 음악을 만들기 위해 노력했습니다. 루이 암스트롱듀크 엘링턴, 1950 년대의 하드 밥. Marsalis의 비판적이고 상업적인 성공이 Fusion과 Free Jazz에 대한 반응의 원인인지 아니면 1960 년대에 개척 된 종류의 재즈에 대한 관심의 부활인지는 논란의 여지가 있습니다. 모달 재즈포스트 밥); 그럼에도 불구하고 퓨전과 프리 재즈가 결코 버려지지 않고 계속 발전하고 진화 했음에도 불구하고 전통주의의 부활에 대한 다른 많은 표현이있었습니다.

예를 들어, 여러 음악가가 퓨전 1970 년대의 장르는 다음을 포함한 어쿠스틱 재즈를 다시 한 번 녹음하기 시작했습니다. 병아리 코리아허비 핸콕. 지난 10 년 동안 전자 악기를 실험 해본 다른 음악가들은 1980 년대에이를 포기했습니다. 예를 들면 빌 에반스, 조 헨더슨, 및 스탠 게츠. 1980 년대 음악도 마일즈 데이비스비록 확실히 여전히 융합되어 있지만, 1970 년대 중반의 추상적 인 작품보다 훨씬 더 접근하기 쉽고 재즈 지향적 인 접근 방식을 채택했습니다. 예를 들어 테마와 솔로 접근 방식으로의 복귀입니다.

오래되고 기존 뮤지션 그룹에서 공연을 시작하는 젊은 재즈 재능의 출현은 재즈 커뮤니티에서 전통주의의 부활에 더욱 영향을 미쳤습니다. 1970 년대에는 베티 카터Art Blakey와 재즈 메신저 퓨전과 재즈 록의 한가운데에서 보수적 인 재즈 접근 방식을 유지했으며, 연기 예약의 어려움 외에도 다음과 같은 전통적인 스타일을 진정으로 연주 할 젊은 세대의 인력을 찾는 데 어려움을 겪었습니다. 하드 밥비밥. 그러나 1970 년대 후반에 Blakey 밴드의 젊은 재즈 연주자들이 부활하기 시작했습니다. 이 운동에는 다음과 같은 음악가가 포함되었습니다. 발레리 포노 마 레프바비 왓슨, 데니스 어윈제임스 윌리엄스. 1980 년대에는 Wynton브랜 포드 마살리스, 같은 재즈 메신저에서 피아니스트의 출현 도널드 브라운, 멀 그루 밀러, 그리고 나중에 Benny Green과 같은 베이시스트 Charles Fambrough, 로니 플라 시코 (그리고 나중에 피터 워싱턴 및 Essiet Essiet) 혼 플레이어 빌 피어스, 도널드 해리슨 그리고 나중에 자본 잭슨테렌스 블랜차드 재능있는 재즈 뮤지션으로 부상했으며 이들 모두 1990 년대와 2000 년대에 상당한 공헌을했습니다.

다음을 포함한 젊은 재즈 메신저의 동시대 로이 하그로브, 마커스 로버츠, 월리스 로니마크 위트 필드 또한 영향을 받았습니다 윈턴 마살리스재즈 전통에 대한 강조. 이 젊은 떠오르는 스타들은 전위적인 접근을 거부하고 대신 어쿠스틱 재즈 사운드를 옹호했습니다. 찰리 파커, Thelonious Monk 그리고 첫 번째의 초기 녹음 마일즈 데이비스 오중주. 이 "Young Lions"그룹은 재즈를 클래식 음악 분야에 필적하는 높은 예술 전통으로 재확인하고자했습니다.[178]

게다가, 베티 카터그녀의 그룹에서 젊은 뮤지션의 로테이션은 나중에 그들의 경력에서 많은 뉴욕의 저명한 전통 재즈 연주자를 예표했습니다. 이 뮤지션 중에는 Jazz Messenger 졸업생이있었습니다. 베니 그린, 브랜 포드 마살리스랄프 피터슨 주니어, 만큼 잘 케니 워싱턴, 루이스 내쉬, 커티스 런디, 사이러스 밤, 심 마크, 크레이그 핸디, Greg Hutchinson 및 마크 캐리, 황소 자리 마틴게리 앨런.

O.T.B. 앙상블에는 다음과 같은 젊은 재즈 뮤지션의 로테이션이 포함되었습니다. 케니 개렛, 스티브 윌슨, 케니 데이비스, 르네 로스 네스, 랄프 피터슨 주니어, 빌리 드러 먼드, 및 로버트 허스트.[179]

비슷한 반응[막연한] 무료 재즈에 반대했습니다. 에 따르면 테드 조이아:

아방가르드의 리더들은 프리 재즈의 핵심 원칙에서 퇴각을 알리기 시작했습니다. Anthony Braxton은 익숙한 코드 변경에 대한 표준 녹음을 시작했습니다. 세실 테일러 함께 듀엣 연주 메리 루 윌리엄스, 그리고 그녀는 그의 맹렬한 키보드 공격 아래 ​​구조화 된 하모니와 친숙한 재즈 어휘를 설정하게했습니다. 그리고 차세대 프로그레시브 플레이어는 두 번 생각하지 않고 변화를 수용하고 변화를 안팎으로 움직일 것입니다. David Murray와 같은 음악가 또는 돈 풀렌 자유 형식 재즈의 부름을 느꼈을 지 모르지만 그들은 재미와 이익을 위해 아프리카 계 미국인 음악을 연주 할 수있는 다른 모든 방법을 결코 잊지 않았습니다.[180]

피아니스트 키스 자렛1970 년대의 밴드는 저명한 프리 재즈 요소가 포함 된 독창적 인 작곡만을 연주했습니다. 1983 년에 소위 'Standards Trio'를 설립했습니다. 때때로 집단 즉흥 연주를 탐구하지만 주로 재즈 표준을 연주하고 녹음했습니다. Chick Corea는 1980 년대에 재즈 표준을 탐구하기 시작했지만 1970 년대에는이를 무시했습니다.

1987 년 미국 하원과 상원은 민주당 대표가 제안한 법안을 통과 시켰습니다. John Conyers Jr. 재즈를 미국 음악의 독특한 형태로 정의하기 위해 "재즈는 귀중하고 귀중한 미국 국가의 보물로 지정되었으며,이를 통해 재즈가 보존, 이해 및 전파되도록주의, 지원 및 자원을 투자해야합니다." 1987 년 9 월 23 일 하원에서, 1987 년 11 월 4 일 상원에서 통과되었습니다.[181]

부드러운 재즈

1980 년대 초, "팝 퓨전"또는 "스무스 재즈"라고 불리는 상업적 형태의 재즈 퓨전이 성공하여 "조용한 폭풍"미국 전역의 도시 시장에있는 라디오 방송국의 타임 슬롯은 다음과 같은 보컬리스트의 경력을 구축하거나 강화하는 데 도움이되었습니다. Al Jarreau, 아니타 베이커, 차카 칸, 및 Sade,뿐만 아니라 색소폰 연주자 그로버 워싱턴 주니어, 케니 G, Kirk Whalum, 보니 제임스, 및 데이비드 산본. 일반적으로 부드러운 재즈는 다운 템포입니다 (가장 널리 재생되는 트랙은 90–105 분당 박동), 리드 멜로디 연주 악기 (색소폰, 특히 소프라노와 테너, 레가토 일렉트릭 기타가 인기가 있습니다).

그의 Newsweek 기사 "재즈 비평의 문제",[182] 스탠리 크라우치 Miles Davis의 퓨전 연주가 부드러운 재즈로 이어진 전환점이라고 생각합니다. 비평가 Aaron J. West는 부드러운 재즈에 대한 부정적인 인식에 대해 다음과 같이 반박했습니다.

나는 표준 재즈 내러티브에서 스무스 재즈의 만연한 주 변화와 악의에 도전합니다. 또한, 부드러운 재즈가 재즈 퓨전 시대의 불행하고 환영받지 못하는 진화 적 결과라는 가정에 의문을 제기합니다. 대신, 나는 부드러운 재즈가 그 기원, 비판적 대화, 연주 연습 및 수용에 대한 다 학문적 분석이 필요한 장수 음악 스타일이라고 주장합니다.[183]

애시드 재즈, 뉴 재즈, 재즈 랩

애시드 재즈 1980 년대와 1990 년대 영국에서 개발되었으며 재즈 펑크전자 댄스 음악. 애시드 재즈에는 종종 다양한 유형의 전자 작곡 (때로는 샘플링 (음악) 또는 라이브 DJ 편집 및 긁힘),하지만 공연의 일부로 재즈 해석을 자주 보여주는 뮤지션이 라이브로 연주 할 가능성이 높습니다. AllMusic의 Richard S. Ginell은 로이 에어즈 "애시드 재즈의 예언자 중 한 명."[184]

뉴 재즈 재즈 하모니와 멜로디의 영향을받으며 일반적으로 즉흥적 인 측면은 없습니다. 그것은 본질적으로 매우 실험적 일 수 있으며 소리와 개념이 크게 다를 수 있습니다. 라이브 악기와 재즈 비트의 조합에서 다양합니다. (예시대로 St Germain, Jazzanova, 및 필라 브라질리아) 전자적 요소가있는 밴드 기반 즉석 재즈 (예 : 시네마틱 오케스트라, 코볼 노르웨이의 "미래 재즈"스타일은 Bugge Wesseltoft, Jaga Jazzist, 및 Nils Petter Molvær).

재즈 랩 1980 년대 후반과 1990 년대 초에 개발되었으며 재즈 영향을 힙합. 1988 년 갱 스타 샘플링 된 데뷔 싱글 "Words I Manifest"발매 디지 길레스피1962 년 "튀니지의 밤", 스테 자 소닉 샘플 "Talkin 'All That Jazz"출시 로니 리스턴 스미스. Gang Starr 데뷔 LP 더 이상 Mr. Nice Guy (1989)와 그들의 1990 년 트랙 "Jazz Thing"은 찰리 파커램지 루이스. 구성한 그룹 네이티브 혀 보유 재즈 릴리스 경향 : 여기에는 정글 형제'데뷔 정글 밖으로 똑바로 (1988) 및 부족이라는 퀘스트'에스 사람들의 본능적 인 여행과 리듬의 길 (1990) 및 로우 엔드 이론 (1991). 랩 듀오 Pete Rock & CL Smooth 1992 년 데뷔에 재즈 영향을 통합 메카와 영혼의 형제. 랩퍼 전문가'에스 Jazzmatazz 시리즈는 스튜디오 녹음 중에 재즈 뮤지션을 사용하여 1993 년에 시작되었습니다.

재즈 랩은 거의 성공하지 못했지만 Miles Davis의 최종 앨범 두밥 (1992 년 사후 발매) 힙합 비트와 프로듀서와의 콜라보레이션을 바탕으로 Easy Mo Bee. 데이비스의 전 밴드 메이트 허비 핸콕 1990 년대 중반에 힙합의 영향을 흡수하여 앨범을 발표했습니다. Dis Is Da Drum 1994 년.

펑크 재즈와 재즈 코어

존 존 2006 년 공연

병행했던 정통의 이완 포스트 펑크 런던과 뉴욕에서 재즈에 대한 새로운 인식을 불러 일으켰습니다. 런던에서, 팝 그룹 무료 재즈와 더빙 레게를 펑크 록 브랜드에 혼합하기 시작했습니다.[185] 뉴욕에서, 웨이브 없음 프리 재즈와 펑크 모두에서 직접적인 영감을 얻었습니다. 이 스타일의 예는 다음과 같습니다. 리디아 점심'에스 시암의 여왕,[186] 그레이, 작품 제임스 찬스와 뒤틀림 (혼합 한 사람 영혼 무료 재즈와 풋내기)[186] 그리고 라운지 도마뱀[186] (자신을 부르는 첫 번째 그룹 "펑크 재즈").

존 존 펑크 록에서 널리 퍼지고있는 속도와 불협화음에 대한 강조점을 주목하고이를 무료 재즈에 통합했습니다. 스파이 대 스파이 1986 년 앨범, 컬렉션 오 네트 콜맨 현대 음악 스 래시 코어 스타일.[187] 같은 해에, 소니 샤록, 피터 브 뢰츠 만, 빌 라 스웰, 및 로널드 섀넌 잭슨 이름으로 첫 번째 앨범을 녹음 마지막 출구, 스 래시와 프리 재즈의 유사하게 공격적인 혼합.[188] 이러한 발전은 재즈 코어, 무료 재즈의 융합 하드 코어 펑크.

M-베이스

스티브 콜먼 2004 년 7 월 파리에서

그만큼 M-베이스 운동은 1980 년대에 뉴욕의 젊은 흑인 음악가들이 스티브 콜먼, 그렉 오스 비, 및 게리 토마스 복잡하지만 홈을 개발[189] 소리.

1990 년대 대부분의 M-Base 참여자들은보다 전통적인 음악으로 전환했지만 가장 활발한 참여자 인 Coleman은 M-Base 개념에 따라 음악을 계속 발전 시켰습니다.[190]

피아니스트 Vijay Iver와 비평가 Ben Ratlifff에 따르면 Coleman의 청중은 줄어들었지만 그의 음악과 컨셉은 많은 음악가들에게 영향을 미쳤습니다. 뉴욕 타임즈.[191][192]

M-Base는 느슨한 젊은 음악가 집단의 운동에서 일종의 비공식적 인 Coleman "학교"로 바뀌 었습니다.[193] 훨씬 발전되었지만 이미 원래 암시 된 개념으로.[194] 스티브 콜먼의 음악과 M-베이스 개념은 Charlie Parker, John Coltrane 및 Ornette Coleman 이후 "다음 논리적 단계"로 인정 받았습니다.[195]

1990 년대 ~ 현재

1990 년대 이후 재즈는 어느 스타일도 지배하지 않는 다원주의가 특징이며 오히려 다양한 스타일과 장르가 인기를 끌고 있습니다. 개별 연주자는 종종 다양한 스타일로, 때로는 동일한 공연으로 연주합니다. 피아니스트 브래드 멜다우나쁜 플러스 전통적인 재즈 어쿠스틱 피아노 트리오의 맥락에서 현대 록 음악을 탐구하여 록 뮤지션의 기악 재즈 곡을 녹음했습니다. The Bad Plus는 또한 무료 재즈 요소를 음악에 통합했습니다. 색소폰 연주자와 같은 일부 연주자들은 확고한 아방가르드 또는 프리 재즈 자세를 유지했습니다. 그렉 오스 비찰스 게일, 기타 제임스 카터, 무료 재즈 요소를보다 전통적인 프레임 워크에 통합했습니다.

해리 코닉 주니어 스트라이드 피아노와 그의 집인 New Orleans에서 딕시 랜드 재즈를 연주하며 10 살 때 첫 녹음을 시작했습니다.[196] 그의 초기 수업 중 일부는 피아니스트의 집에서 엘리스 마살리스.[197] Connick은 영화에 사운드 트랙을 녹음 한 후 팝 차트에서 성공했습니다. 해리가 샐리를 만났을 때, 2 백만 부 이상 판매되었습니다.[196] 크로스 오버 성공은 다이아나 크랄, 노라 존스, 카산드라 윌슨, 커트 엘링, 및 제이미 컬럼.

일반적으로 주로 공연하는 많은 플레이어 똑바로 피아니스트를 포함한 설정이 1990 년대부터 등장했습니다. 제이슨 모란비제이 아이어, 기타리스트 커트 로젠 빈켈, 비브 라포 니스트 스테 폰 해리스, 트럼펫 로이 하그로브테렌스 블랜차드, 색소폰 연주자 크리스 포터조슈아 레드 만, 클라리넷 켄 페 플로 스키 및 베이시스트 크리스찬 맥브라이드.

이기는 하지만 재즈 록 퓨전 1970 년대에 그 인기가 절정에 이르렀고 1990 년대와 2000 년대에 재즈에서 전자 악기와 록에서 파생 된 음악 요소의 사용이 계속되었습니다. 이 접근 방식을 사용하는 음악가는 다음과 같습니다. 팻 메 테니, 존 아베크롬비, 존 스코필드 그리고 스웨덴 그룹 동부 표준시. 1990 년대 초부터 일렉트로닉 음악은 대중화되고 장르에 대한 새로운 가능성을 창출하는 상당한 기술적 개선이있었습니다. 즉흥 연주, 리드미컬 한 복잡성 및 조화 텍스처와 같은 재즈 요소가 장르에 도입되었고 결과적으로 새로운 청취자에게 큰 영향을 미쳤으며 어떤면에서는 재즈의 다양성을 전통 주의자들이 진짜라고 부르는 것과 반드시 ​​관련이없는 새로운 세대와 관련이 있도록 유지했습니다. 재즈 (비밥, 쿨 및 모달 재즈).[198] 같은 예술가 Squarepusher, 에이펙스 트윈, 플라잉 로터스 같은 하위 장르 IDM, Drum n 'Bass, Jungle 및 테크노 결국 이러한 요소를 많이 통합했습니다.[199] 재즈 연주자 드러머에게 큰 영향을 미치는 Squarepusher 마크 길 리아나 피아니스트 브래드 멜다우, 재즈와 일렉트로닉 음악의 상관 관계를 보여주는 양방향 거리.[200]

2001 년 켄 번스의 다큐멘터리 재즈 에 초연되었다 PBS, 특징 윈턴 마살리스 그리고 그 당시까지 미국 재즈의 전체 역사를 검토하는 다른 전문가들. 그러나 그것은 재즈에서 개발 된 많은 독특한 비 미국 전통과 스타일을 반영하지 못하고 20 세기 마지막 분기에 미국의 발전을 제한적으로 표현하지 못해 비판을 받았다.

2010 년대 중반에는 R & B, 힙합, 팝 음악이 재즈에 미치는 영향이 증가했습니다. 2015 년 켄드릭 라마 그의 세 번째 정규 앨범을 발표했고 나비 포주. 이 앨범에는 다음과 같은 저명한 현대 재즈 아티스트가 많이 등장했습니다. Thundercat[201] 그리고 단순히 샘플링보다는 즉흥 연주와 라이브 솔로잉에 더 중점을두고 재즈 랩을 재정의했습니다. 같은 해 색소폰 연주자 카마시 워싱턴 거의 3 시간에 가까운 데뷔를 발표했고 에픽. 힙합에서 영감을 얻은 비트와 R & B 보컬 막간은 재즈의 관련성을 유지하는 데 혁신적이라는 비평가들로부터 찬사를 받았을뿐만 아니라[202] 인터넷 재즈에서도 작은 부활을 일으켰습니다.

2010 년 재즈의 또 다른 인터넷 지원 트렌드는 재 조화, 속도와 리듬으로 유명한 두 명의 거장 플레이어로부터 영감을 얻었습니다. 아트 테이텀뿐만 아니라 Bill Evans와 같은 야심 찬 목소리와 코드로 유명한 연주자. 수퍼 그룹 Snarky 강아지 이 트렌드를 채택하여 플레이어는 코리 헨리[203] 현대 재즈 솔로의 그루브와 하모니를 형성합니다. 유튜브 현상 제이콥 콜리어 또한 엄청나게 많은 악기를 연주하는 능력과 사용 능력으로 인정을 받았습니다. 마이크로 톤, 고급 폴리 리듬, 그리고 그의 수제 제작 과정에서 다양한 장르를 혼합합니다.[204]

또한보십시오

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